Mostrando entradas con la etiqueta Arte griego. Mostrar todas las entradas
Mostrando entradas con la etiqueta Arte griego. Mostrar todas las entradas
jueves, 17 de febrero de 2011
Videos para ampliar conocimientos sobre el arte griego
Os invito a ver estos videos sobre el arte griego , micénico y el teatro de Epidauro.
El arte griego
El arte micénico
El teatro de Epidauro
La acrópolis de Atenas
El arte griego
El arte micénico
El teatro de Epidauro
La acrópolis de Atenas
Video de la cerámica griega
Quieres ampliar un poco más sobre la cerámica griega? no lo dudes mira este video.
La evolución del arte clásico
Conoce las caracteristicas principales de los distintos maestros del arte clasico griego.
Video sobre el templo griego
Con este video todas tus dudas sobre el templo griego quedarán resueltas.
miércoles, 16 de febrero de 2011
Actividades sobre el arte Griego
Actividades que puedes realizar para ampliar tus conocimientos:
1.Diferencias entre la escultura clásica y la helenística. Utiliza dos obras representativas para su comparación
2.Comparación entre un templo egipcio y otro griego
3. Explica el sentido del siguiente texto:
“...Los egipcios basaron su arte en el conocimiento. Los griegos comenzaron a servirse de sus ojos. Una vez iniciada esta revolución ya no se detuvo. Los escultores obtuvieron en sus talleres nuevas ideas y nuevos modos de representar la figura humana, y cada innovación fue ávidamente recibida por otros que añadieron a ella sus propios descubrimientos.” Gombrich, Historia del arte, 1979, Alianza
4. Iconografía escultórica de El Partenón
5. La Acrópolis de Atenas en su contexto histórico: dirigentes políticos, situación internacional, recursos económicos, etc.
6. Establece una evolución de la escultura griega a partir de la explicación de las siguientes obras (sólo debes comentar aquellos aspectos que sirven para entender la evolución de la escultura griega): Dama de Auxerre, Doríforo, Laocoonte, Auriga de Delfos
7. Identifica el modelo de belleza existente en el mundo griego y su plasmación artística a partir de este texto. Busca información sobre el autor:
“¿En qué consiste el atractivo que un objeto hermoso ejerce sobre la persona que lo contempla, lo que despierta su interés, seduce y llena de gozo simplemente con mirarlo?(...). Casi todo el mundo considera que lo que se reconoce visualmente como bello es la simetría del todo y de las partes entre sí, así como una cierta armonía cromática y que en los objetos visibles, como en todo, lo bello es siempre esencialmente simétrico, ordenado.” PLOTINO, Enéada, 1,6,1
8. Comenta los elementos relacionados con el arte griego que aparecen en este texto. Busca información sobre el autor y sus ideas estéticas:
" Una vez que yo haya afirmado que considero que Fidias es un gran artista, proseguirá : ¿Crees tú que Fidias ignoraba la especie de belleza de que hablas tú?. ¿Por qué preguntas esto?. Porque él no ha hecho de oro los ojos de su Atenea ni el resto de su cara, como tampoco sus pies ni sus manos, como debería haberlo hecho para darles más belleza, sino que los hizo de marfil ; evidentemente, él pecó por ignorancia al desconocer que el oro embellece todos los objetos a los que se aplica" (PLATÓN, Obras completas , Madrid 1966).
9. Comparación entre el friso de las Panateneas y el del altar de Zeus en Pérgamo.
10. Comenta el siguiente texto sobre el origen del dórico y las características de la arquitectura griega que en él aparecen:
«El primer templo que vieron construido así estaba en una ciudad de los dorios. Como quisieron poner columnas en este templo y no tenían la medida de las proporciones, investigaron cómo hacerlas para que no sólo fuesen aptas para soportar la carga, sino que también fuesen de aspecto agradable por sus proporciones. Midieron la huella de un pie humano y la relacionaron con su altura. Cuando supieron que el pie era la sexta parte de la altura de un hombre, transfirieron esta relación a la columna. Hicieron la altura del fuste, incluido el capitel, seis veces mayor que la anchura de su base. Así fue como la columna dórica aportó a los edificios las proporciones de un cuerpo varonil y su solidez y belleza.» VITRUBIO
11. Comenta a partir del texto qué es para Platón la belleza y cómo la reconoce el hombre, precisando qué relación pudo tener esto con el arte griego. Indica si estás de acuerdo con él:
“Platón en su teoría de las Ideas, establece las bases de una concepción metafísica de la belleza, al incluirla, junto con la Verdad, la Bondad y las demás ideas esenciales, en el mundo de los principios divinos (...). En cuanto a la Belleza, su resplandor deslumbra, como ya hemos dicho, entre todas aquellas visiones celestiales.
De tal modo resplandecía que,una vez en la tierra, aún la vemos brillar con nitidez, merced al más clarividente de los sentidos. Ciertamente la vista es la más penetrante de las facultades sensitivas del cuerpo (...). En el estado que nos encontramos sólo la belleza disfruta del privilegio de ser el objeto más visible y atrayente (...). El hombre que ha sido recientemenete iniciado o que durante mucho tiempo gozó de las contemplaciones celestes, cuando reconoce en un rostro hermoso una bella imagen de la divina belleza o, en un cuerpo, reminiscencias de esa misma belleza, comienza a estremecerse, sintiendo renacer en él alguna de aquellas mismas emociones que experimentó en pasados éxtasis.”
VV.AA., Fuentes y documentos para la historia del arte I, 1982
12. Elabora un cuadro comparando las diferencias entre la arquitectura helenística y clásica griegas, eligiendo ejemplos de cada una
13. Comenta las siguientes obras:
1.Diferencias entre la escultura clásica y la helenística. Utiliza dos obras representativas para su comparación
2.Comparación entre un templo egipcio y otro griego
3. Explica el sentido del siguiente texto:
“...Los egipcios basaron su arte en el conocimiento. Los griegos comenzaron a servirse de sus ojos. Una vez iniciada esta revolución ya no se detuvo. Los escultores obtuvieron en sus talleres nuevas ideas y nuevos modos de representar la figura humana, y cada innovación fue ávidamente recibida por otros que añadieron a ella sus propios descubrimientos.” Gombrich, Historia del arte, 1979, Alianza
4. Iconografía escultórica de El Partenón
5. La Acrópolis de Atenas en su contexto histórico: dirigentes políticos, situación internacional, recursos económicos, etc.
6. Establece una evolución de la escultura griega a partir de la explicación de las siguientes obras (sólo debes comentar aquellos aspectos que sirven para entender la evolución de la escultura griega): Dama de Auxerre, Doríforo, Laocoonte, Auriga de Delfos
7. Identifica el modelo de belleza existente en el mundo griego y su plasmación artística a partir de este texto. Busca información sobre el autor:
“¿En qué consiste el atractivo que un objeto hermoso ejerce sobre la persona que lo contempla, lo que despierta su interés, seduce y llena de gozo simplemente con mirarlo?(...). Casi todo el mundo considera que lo que se reconoce visualmente como bello es la simetría del todo y de las partes entre sí, así como una cierta armonía cromática y que en los objetos visibles, como en todo, lo bello es siempre esencialmente simétrico, ordenado.” PLOTINO, Enéada, 1,6,1
8. Comenta los elementos relacionados con el arte griego que aparecen en este texto. Busca información sobre el autor y sus ideas estéticas:
" Una vez que yo haya afirmado que considero que Fidias es un gran artista, proseguirá : ¿Crees tú que Fidias ignoraba la especie de belleza de que hablas tú?. ¿Por qué preguntas esto?. Porque él no ha hecho de oro los ojos de su Atenea ni el resto de su cara, como tampoco sus pies ni sus manos, como debería haberlo hecho para darles más belleza, sino que los hizo de marfil ; evidentemente, él pecó por ignorancia al desconocer que el oro embellece todos los objetos a los que se aplica" (PLATÓN, Obras completas , Madrid 1966).
9. Comparación entre el friso de las Panateneas y el del altar de Zeus en Pérgamo.
10. Comenta el siguiente texto sobre el origen del dórico y las características de la arquitectura griega que en él aparecen:
«El primer templo que vieron construido así estaba en una ciudad de los dorios. Como quisieron poner columnas en este templo y no tenían la medida de las proporciones, investigaron cómo hacerlas para que no sólo fuesen aptas para soportar la carga, sino que también fuesen de aspecto agradable por sus proporciones. Midieron la huella de un pie humano y la relacionaron con su altura. Cuando supieron que el pie era la sexta parte de la altura de un hombre, transfirieron esta relación a la columna. Hicieron la altura del fuste, incluido el capitel, seis veces mayor que la anchura de su base. Así fue como la columna dórica aportó a los edificios las proporciones de un cuerpo varonil y su solidez y belleza.» VITRUBIO
11. Comenta a partir del texto qué es para Platón la belleza y cómo la reconoce el hombre, precisando qué relación pudo tener esto con el arte griego. Indica si estás de acuerdo con él:
“Platón en su teoría de las Ideas, establece las bases de una concepción metafísica de la belleza, al incluirla, junto con la Verdad, la Bondad y las demás ideas esenciales, en el mundo de los principios divinos (...). En cuanto a la Belleza, su resplandor deslumbra, como ya hemos dicho, entre todas aquellas visiones celestiales.
De tal modo resplandecía que,una vez en la tierra, aún la vemos brillar con nitidez, merced al más clarividente de los sentidos. Ciertamente la vista es la más penetrante de las facultades sensitivas del cuerpo (...). En el estado que nos encontramos sólo la belleza disfruta del privilegio de ser el objeto más visible y atrayente (...). El hombre que ha sido recientemenete iniciado o que durante mucho tiempo gozó de las contemplaciones celestes, cuando reconoce en un rostro hermoso una bella imagen de la divina belleza o, en un cuerpo, reminiscencias de esa misma belleza, comienza a estremecerse, sintiendo renacer en él alguna de aquellas mismas emociones que experimentó en pasados éxtasis.”
VV.AA., Fuentes y documentos para la historia del arte I, 1982
12. Elabora un cuadro comparando las diferencias entre la arquitectura helenística y clásica griegas, eligiendo ejemplos de cada una
13. Comenta las siguientes obras:
Ejercicios interactivos de emparejamiento de la escultura griega
Con estos juegos puedes conocer mejor las diferentes obras:
http://www.claseshistoria.com/guillermo/ejercicios-catalogo/grecia-esc1-emparejar/grecia-esc1-emparejar.htm
http://www.claseshistoria.com/guillermo/ejercicios-catalogo/grecia-esc2-emparejar/grecia-esc2-emparejar.jmt.htm
http://www.claseshistoria.com/guillermo/ejercicios-catalogo/grecia-esc3-emparejar/grecia-esc3-emparejar.htm
http://www.claseshistoria.com/guillermo/ejercicios-catalogo/grecia-esc4-emparejar/grecia-esc4-emparejar.htm
http://www.claseshistoria.com/guillermo/ejercicios-catalogo/grecia-esc5-emparejar/grecia-esc5-emparejar.htm
http://www.claseshistoria.com/guillermo/ejercicios-catalogo/grecia-esc1-emparejar/grecia-esc1-emparejar.htm
http://www.claseshistoria.com/guillermo/ejercicios-catalogo/grecia-esc2-emparejar/grecia-esc2-emparejar.jmt.htm
http://www.claseshistoria.com/guillermo/ejercicios-catalogo/grecia-esc3-emparejar/grecia-esc3-emparejar.htm
http://www.claseshistoria.com/guillermo/ejercicios-catalogo/grecia-esc4-emparejar/grecia-esc4-emparejar.htm
http://www.claseshistoria.com/guillermo/ejercicios-catalogo/grecia-esc5-emparejar/grecia-esc5-emparejar.htm
Hot Potatoes de la arquitectura de Grecia
Mientras te diviertes puedes aprender, inténtalo:
http://www.claseshistoria.com/guillermo/ejercicios-catalogo/grecia-arq1-emparejar/grecia-arqu1-emparejar.htm
http://www.claseshistoria.com/guillermo/ejercicios-catalogo/grecia-arq1-emparejar/grecia-arqu1-emparejar.htm
Conoce la arquitectura
Conoce la arquitectura más a fondo a través de este recurso:
http://ntic.educacion.es/w3//eos/MaterialesEducativos/mem2006/ver_arquitectura/portada.html
http://ntic.educacion.es/w3//eos/MaterialesEducativos/mem2006/ver_arquitectura/portada.html
La cerámica griega
Las pocas muestras de puntura griega conservadas no permiten hacer un estudio evolutivo riguroso en cuanto a temáticas y estilo. Esta pérdida de obras pictóricas se ve parcialmente compensadas por los numerosos ejemplos de decoración: cerámica en ánforas, platos y vasos. En su evolución podemos distinguir tres grandes períodos:
1. Cerámica geométrica (s. X a.C. - VIII a.C.), etapa en la que se reelaboran las formas de cerámica micénica, enriqueciendo la decoración a partir de grecas geométricas y lineales de un gran dinamismo, dispuestas en franjas horizontales y paralelas. A partir del siglo VIII a.C., la figura humana, esquematizada, empezó a ocupar un lugar preeminente.
2. Cerámica arcaica (s. VII a.C. - V a.C.), periodo en el que la figura humana es cada vez más grande y está representada con mayor detallismo. Se distingues dos fases:
La cerámica de figuras negras sobre fondo rojo (cerámica ática), en la que se representan fundamentalmente escenas mitológicas de los poemas épicos de Homero.
La cerámica de figuras rojas sobre fondo negro, decorada con escenas de temáticas más cotidiana, en las que se exhibe una mayor preocupación por el realismo el el detalle.
La cerámica griega clásica
3. Cerámica clásica (s. V a.C.), periodo de dominio de la decoración de las figuras rojas sobre fondo negro. La figura ocupa todo el espacio compositivo y, en consecuencia, existe una representación escénica más compleja próxima a la pintura. Entre otras técnicas pictóricas destaca el uso de escorzos y sombreados, mostrando una mayor expresión emotiva en los personajes.
1. Cerámica geométrica (s. X a.C. - VIII a.C.), etapa en la que se reelaboran las formas de cerámica micénica, enriqueciendo la decoración a partir de grecas geométricas y lineales de un gran dinamismo, dispuestas en franjas horizontales y paralelas. A partir del siglo VIII a.C., la figura humana, esquematizada, empezó a ocupar un lugar preeminente.
2. Cerámica arcaica (s. VII a.C. - V a.C.), periodo en el que la figura humana es cada vez más grande y está representada con mayor detallismo. Se distingues dos fases:
La cerámica de figuras negras sobre fondo rojo (cerámica ática), en la que se representan fundamentalmente escenas mitológicas de los poemas épicos de Homero.
La cerámica de figuras rojas sobre fondo negro, decorada con escenas de temáticas más cotidiana, en las que se exhibe una mayor preocupación por el realismo el el detalle.
3. Cerámica clásica (s. V a.C.), periodo de dominio de la decoración de las figuras rojas sobre fondo negro. La figura ocupa todo el espacio compositivo y, en consecuencia, existe una representación escénica más compleja próxima a la pintura. Entre otras técnicas pictóricas destaca el uso de escorzos y sombreados, mostrando una mayor expresión emotiva en los personajes.
Terminología griega
Estos conceptos os ayudarán a conocer mejor la terminología referente al arte griego:
ACRÓPOLIS: parte elevada y amurallada de algunas ciudades griegas, dónde se emplazaban los edificios públicos y de carácter sagrado. Una de la más interesante es la Acrópolis de Atenas en gran parte reedificada en el S. V a C. donde se distinguen los Propilios o puerta monumental de acceso, el Erecteión, el Partenón o el templo de Atenea Niké.
ACRÓTERA: en arquitectura elemento decorativo que remata cada uno de los vértices de un frontón, normalmente suelen ser una hoja de palmeta. Por extensión se denomina así al pedestal que sirve para sostener las figuras de animal que pueden decorar estos mismos vértices, utilizadas más tarde en el mundo etrusco.
ÁGORA: gran espacio abierto, plaza mayor de las ciudades griegas, normalmente porticado rodeada por edificios públicos y privados. Servía de lugar de mercado, de reunión y de celebración, donde se congregaban los ciudadanos, resumiendo centro neurálgico de la vida ciudadana. Se corresponde con el foro romano. Una de la más interesante la de Atenas, remozada y ennoblecida en el S. V a C., en ella desarrollaron su labor Sócrates, Platón… allí se encontraban los templos de Hefestos, Zeus y Apolo, el palacio de justicia etc. con la ocupación romana se convirtió en zona residencial.
ÉNTASIS: engrosamiento de una columna, generalmente hacia el centro, de modo que por efecto de la perspectiva, perezca recta en lugar de cóncava, que es como podría aparecer sin él éntasis, llamase también galbo. Propio de las correcciones ópticas realizadas por arte clásico griego. En el Partenón se producen toda una serie de correcciones ópticas entre ellas este éntasis (447 – 432 a C)
ESTILÓBATO: plano de sustentación de las columnas de una columnata. En los ordenes clásicos los pórticos se alzan sobre tres escalones, llamados estereóbatos los dos inferiores y estilóbato el superior. Por extensión se denomina estilóbato a la baldosa sobre la que descansa la columna (plinto), también al plinto más alto de lo normal y rematado por molduras o con filetes. Pedestal continuo.
FRONTÓN: remate triangular de una fachada, pórtico, ventan, etc. el espacio cerrado que delimita se llama tímpano. Remate triangular de una fachada o de un pórtico; se coloca también encima de puertas y ventanas. Puede existir un frontón curvo, utilizando un segmento de arco y una base horizontal. Suelen alternarse frontones triangulares y curvos, en los remates de ventanas y puertas, o en los tambores que sirven de apoyo a una cúpula (sobre todo en el Renacimiento y Barroco). Existen también frontones partidos, o rotos utilizando segmentos de arco, ménsulas… Un ejemplo importante dentro del mundo griego el frontón del Partenón (447 – 432 a C.)
KORÉ: joven griega. Específicamente las esculpidas durante la época arcaica del arte griego. A diferencia de los kúroi, (masculinos) vestidas ya sean con peplo (túnica) o con Chitón y Himatión, (vestido y manto).Un ejemplo Koré del Peplo (530 a C.)
KOUROS: escultura de jóvenes atletas griegos masculinos, especialmente en época arcaica del arte griego. También se denominan Apolos, pueden representar atletas vencedores de los juegos de atletismo. Se presentan totalmente desnudos, con unas características similares, pí
e adelantado en actitud frontal. La cabeza es cúbica con rasgos esculpidos en bajorrelieve, labios cerrados (sonrisa arcaica) cabellos largos y dispuestos simétricamente en la frente, ojos abultados, (ojos almendrados). Presentan actitud de marcha, con los brazos pegados al cuerpo y puños cerrados, las plantas de los píes pegadas al suelo. Se inspiran en la escultura egipcia, aunque intentando mostrar un estudio anatómico de la musculatura, con una serie de convencionalismos, como son el pliegue inguinal en V, el pecho en una marcada W o el tórax en forma de U invertida. Algún ejemplo significativo, los gemelos Cleobis y Bitón.(590 a C.)
NAOS: cámara central donde se emplazaba la estatua del Dios en los templos clásicos, generalmente de planta rectangular, se suele acceder a ella, a través de un pórtico o pronaos. Esta naos, suele ser adintelada y estar sostenida por una doble columnata, en el caso del Partenón esta columnata es de orden dórico formando una U entorno a la Escultura de la Atenea Parthenos, mientras que en la segunda cámara “partenón” se sustenta con cuatro enormes columnas jónicas. 447aC.)
OPISTÓDOMOS: parte posterior del templo clásico griego, opuesta al pronaos que no suele tener acceso a la cella o naos. Caso singular se presenta en el templo de Atenea Parthenos (denominado Partenón), una segunda cámara de la cella, cámara sin comunicación con la naos que ocupa la estatua de la diosa y que servía para alojar las ofrendas de la ciudad (el peplo de la diosa, etc). el opistodomo se convierte en un pórtico de entrada a esta cámara.447 – 432 a C.
ORDEN (SE INDICARÁN Y EXPLICARÁN LAS PARTES Y LOS TIPOS: COLUMNA, ARQUITRABE, FRISO Y CORNISA): norma o principio que debe regir toda la arquitectura y la combinación y proporción de cada uno de los elementos sustentantes y sustentados. Básicamente conocemos tres órdenes:
DÓRICO: se caracteriza por la sobriedad y sencillez:
Columnas con estrías , el capitel está desnudo de ornamentación consta de equino (forma circular saliente) ábaco (pieza rectangular).
Entablamento: arquitrabe liso, friso compuesto por triglifos y metopas y cornisa con alero que sobresale adornado por regletas y mútulos y un cimacio.
Frontón: triangular con un espacio interior o tímpano y rematado en cada un o de los vértices con acróteras.
JÓNICO: originario del Asia menor, esbelto y rico en decoración.
Columnas: sobre basa y fuste esbelto acanalado. El capitel tiene como característica principal las volutas que enmarcar un pequeño equino (pequeño collar de ovas y flechas), en la parte superior un estrecho ábaco rectangular.
Entablamento: arquitrabe dividido en platabandas, friso corrido sin triglifos, ni metopas. Cornisa compuesta por un saledizo y una moldura ornamentada con ovas, flechas y dardos.
Frontón: igual que en el dórico.
CORINTIO: similar al jónico cuya característica principal será el capitel vegetal, constituido por un cestillo en forma de campana sobre el que se sitúan una doble fila de acantos, terminando en volutas los de las esquinas llamadas caulículos, sobre ellas un pequeño ábaco con lados cóncavos.
PALESTRA: en el mundo clásico, espacio destinado a ejercicios gimnásticos. De origen griego, formaba parte del gimnasio. A finales de s. IV a C. adoptó la forma de patio cuadrangular anexo al gimnasio. En Roma estaba anexa a las termas.
PERISTILO: es la galería de columnas que rodea un edificio. Esencialmente, se trata de un patio rodeado de columnas, típico de la casa griega y de la grecorromana pero no de la romana. Normalmente se concebía a modo de jardín, con un pequeño estanque en medio, con fuente o surtidor. A veces se le llama así al patio de la casa romana. Galería de columnas.
PRONAOS: literalmente «el espacio situado delante del templo», designa el vestíbulo o la entrada de un templo. Posee normalmente la misma anchura que el naos que prolonga en el mismo eje. Sus paredes laterales pueden ser o de muros o de soportes aislados (pilares o columnas). Su abertura puede tomar toda la amplitud del edificio o sólo una parte (puerta). Está muy a menudo constituido por una columnata o in antis o próstila de dos a ocho columnas. Sala o pórtico que da acceso a la naos o cella. Atrio o parte anterior de un templo. Pórtico columnado que precede a un edificio cuya fachada recuerda a un templo antiguo.
STOA: es la denominación, en arquitectura griega, de un pórtico. Es una de las construcciones más sencillas, un espacio arquitectónico de planta rectangular, alargada, cubierto, conformado mediante una sucesión de columnas ( pilares o soportes) y muros laterales; solía formar parte de espacios públicos, como plazas, gimnasios y jardines. Normalmente en el ágora como espacio público, protegido del sol y la lluvia, servía para entablar relaciones y, a veces establecer puestos de comercio.
ACRÓPOLIS: parte elevada y amurallada de algunas ciudades griegas, dónde se emplazaban los edificios públicos y de carácter sagrado. Una de la más interesante es la Acrópolis de Atenas en gran parte reedificada en el S. V a C. donde se distinguen los Propilios o puerta monumental de acceso, el Erecteión, el Partenón o el templo de Atenea Niké.
ACRÓTERA: en arquitectura elemento decorativo que remata cada uno de los vértices de un frontón, normalmente suelen ser una hoja de palmeta. Por extensión se denomina así al pedestal que sirve para sostener las figuras de animal que pueden decorar estos mismos vértices, utilizadas más tarde en el mundo etrusco.
ÁGORA: gran espacio abierto, plaza mayor de las ciudades griegas, normalmente porticado rodeada por edificios públicos y privados. Servía de lugar de mercado, de reunión y de celebración, donde se congregaban los ciudadanos, resumiendo centro neurálgico de la vida ciudadana. Se corresponde con el foro romano. Una de la más interesante la de Atenas, remozada y ennoblecida en el S. V a C., en ella desarrollaron su labor Sócrates, Platón… allí se encontraban los templos de Hefestos, Zeus y Apolo, el palacio de justicia etc. con la ocupación romana se convirtió en zona residencial.
ÉNTASIS: engrosamiento de una columna, generalmente hacia el centro, de modo que por efecto de la perspectiva, perezca recta en lugar de cóncava, que es como podría aparecer sin él éntasis, llamase también galbo. Propio de las correcciones ópticas realizadas por arte clásico griego. En el Partenón se producen toda una serie de correcciones ópticas entre ellas este éntasis (447 – 432 a C)
ESTILÓBATO: plano de sustentación de las columnas de una columnata. En los ordenes clásicos los pórticos se alzan sobre tres escalones, llamados estereóbatos los dos inferiores y estilóbato el superior. Por extensión se denomina estilóbato a la baldosa sobre la que descansa la columna (plinto), también al plinto más alto de lo normal y rematado por molduras o con filetes. Pedestal continuo.
FRONTÓN: remate triangular de una fachada, pórtico, ventan, etc. el espacio cerrado que delimita se llama tímpano. Remate triangular de una fachada o de un pórtico; se coloca también encima de puertas y ventanas. Puede existir un frontón curvo, utilizando un segmento de arco y una base horizontal. Suelen alternarse frontones triangulares y curvos, en los remates de ventanas y puertas, o en los tambores que sirven de apoyo a una cúpula (sobre todo en el Renacimiento y Barroco). Existen también frontones partidos, o rotos utilizando segmentos de arco, ménsulas… Un ejemplo importante dentro del mundo griego el frontón del Partenón (447 – 432 a C.)
KORÉ: joven griega. Específicamente las esculpidas durante la época arcaica del arte griego. A diferencia de los kúroi, (masculinos) vestidas ya sean con peplo (túnica) o con Chitón y Himatión, (vestido y manto).Un ejemplo Koré del Peplo (530 a C.)
KOUROS: escultura de jóvenes atletas griegos masculinos, especialmente en época arcaica del arte griego. También se denominan Apolos, pueden representar atletas vencedores de los juegos de atletismo. Se presentan totalmente desnudos, con unas características similares, pí
e adelantado en actitud frontal. La cabeza es cúbica con rasgos esculpidos en bajorrelieve, labios cerrados (sonrisa arcaica) cabellos largos y dispuestos simétricamente en la frente, ojos abultados, (ojos almendrados). Presentan actitud de marcha, con los brazos pegados al cuerpo y puños cerrados, las plantas de los píes pegadas al suelo. Se inspiran en la escultura egipcia, aunque intentando mostrar un estudio anatómico de la musculatura, con una serie de convencionalismos, como son el pliegue inguinal en V, el pecho en una marcada W o el tórax en forma de U invertida. Algún ejemplo significativo, los gemelos Cleobis y Bitón.(590 a C.)
NAOS: cámara central donde se emplazaba la estatua del Dios en los templos clásicos, generalmente de planta rectangular, se suele acceder a ella, a través de un pórtico o pronaos. Esta naos, suele ser adintelada y estar sostenida por una doble columnata, en el caso del Partenón esta columnata es de orden dórico formando una U entorno a la Escultura de la Atenea Parthenos, mientras que en la segunda cámara “partenón” se sustenta con cuatro enormes columnas jónicas. 447aC.)
OPISTÓDOMOS: parte posterior del templo clásico griego, opuesta al pronaos que no suele tener acceso a la cella o naos. Caso singular se presenta en el templo de Atenea Parthenos (denominado Partenón), una segunda cámara de la cella, cámara sin comunicación con la naos que ocupa la estatua de la diosa y que servía para alojar las ofrendas de la ciudad (el peplo de la diosa, etc). el opistodomo se convierte en un pórtico de entrada a esta cámara.447 – 432 a C.
ORDEN (SE INDICARÁN Y EXPLICARÁN LAS PARTES Y LOS TIPOS: COLUMNA, ARQUITRABE, FRISO Y CORNISA): norma o principio que debe regir toda la arquitectura y la combinación y proporción de cada uno de los elementos sustentantes y sustentados. Básicamente conocemos tres órdenes:
DÓRICO: se caracteriza por la sobriedad y sencillez:
Columnas con estrías , el capitel está desnudo de ornamentación consta de equino (forma circular saliente) ábaco (pieza rectangular).
Entablamento: arquitrabe liso, friso compuesto por triglifos y metopas y cornisa con alero que sobresale adornado por regletas y mútulos y un cimacio.
Frontón: triangular con un espacio interior o tímpano y rematado en cada un o de los vértices con acróteras.
JÓNICO: originario del Asia menor, esbelto y rico en decoración.
Columnas: sobre basa y fuste esbelto acanalado. El capitel tiene como característica principal las volutas que enmarcar un pequeño equino (pequeño collar de ovas y flechas), en la parte superior un estrecho ábaco rectangular.
Entablamento: arquitrabe dividido en platabandas, friso corrido sin triglifos, ni metopas. Cornisa compuesta por un saledizo y una moldura ornamentada con ovas, flechas y dardos.
Frontón: igual que en el dórico.
CORINTIO: similar al jónico cuya característica principal será el capitel vegetal, constituido por un cestillo en forma de campana sobre el que se sitúan una doble fila de acantos, terminando en volutas los de las esquinas llamadas caulículos, sobre ellas un pequeño ábaco con lados cóncavos.
PALESTRA: en el mundo clásico, espacio destinado a ejercicios gimnásticos. De origen griego, formaba parte del gimnasio. A finales de s. IV a C. adoptó la forma de patio cuadrangular anexo al gimnasio. En Roma estaba anexa a las termas.
PERISTILO: es la galería de columnas que rodea un edificio. Esencialmente, se trata de un patio rodeado de columnas, típico de la casa griega y de la grecorromana pero no de la romana. Normalmente se concebía a modo de jardín, con un pequeño estanque en medio, con fuente o surtidor. A veces se le llama así al patio de la casa romana. Galería de columnas.
PRONAOS: literalmente «el espacio situado delante del templo», designa el vestíbulo o la entrada de un templo. Posee normalmente la misma anchura que el naos que prolonga en el mismo eje. Sus paredes laterales pueden ser o de muros o de soportes aislados (pilares o columnas). Su abertura puede tomar toda la amplitud del edificio o sólo una parte (puerta). Está muy a menudo constituido por una columnata o in antis o próstila de dos a ocho columnas. Sala o pórtico que da acceso a la naos o cella. Atrio o parte anterior de un templo. Pórtico columnado que precede a un edificio cuya fachada recuerda a un templo antiguo.
STOA: es la denominación, en arquitectura griega, de un pórtico. Es una de las construcciones más sencillas, un espacio arquitectónico de planta rectangular, alargada, cubierto, conformado mediante una sucesión de columnas ( pilares o soportes) y muros laterales; solía formar parte de espacios públicos, como plazas, gimnasios y jardines. Normalmente en el ágora como espacio público, protegido del sol y la lluvia, servía para entablar relaciones y, a veces establecer puestos de comercio.
El Discóbolo
1- Clasificación.
Título: Discóbolo
Autor: Mirón
Época: Primera ½ del s. V a.C.
Estilo: Griego clásico
2.- Contexto histórico.
El siglo V a.C. fue la etapa de mayor esplendor de Grecia, en la cual Atenas se convirtió en el centro cultural, coincidiendo con el gobierno de Pericles (siglo de Pericles).
Tras derrotar a los persas en la Segunda Guerra Médica, Atenas se convirtió en la polis más importante de Grecia y llegó a su máximo esplendor político, económico y cultural bajo el mandato de Pericles, el cual inició la reconstrucción de esta polis tras la guerra, además mandó construir una serie determinada de monumentos.
3.- Comentario de la obra.
El Discóbolo es una estatua de bulto redondo, es decir exenta e independiente de la arquitectura. Representa a un joven atleta desnudo en el momento de lanzar un disco. Esta figura, originalmente fundida en bronce, ha llegado hasta nosotros a través de copias romanas esculpidas en mármol.
Con esta escultura Mirón pretendía mostrar el cuerpo humano en un momento de máxima tensión y movimiento, de tal forma que rompe con las características escultóricas del período arcaico, de figuras totalmente rectas y sin sensación de movimiento, de rostros inexpresivos y formas poco definidas. Así, en el clasicismo pleno tenemos una búsqueda de la belleza física del cuerpo humano, tomándolo como modelo pero buscando su perfección mediante la simetría y proporción numérica de cada parte entre si y, a su vez, con el conjunto. Por esto, usaran más como modelo al hombre que a la mujer, por ser más musculoso y definido que el de esta, que destaca más por sus redondeces. Teniendo en cuenta todo esto, podemos definir esta escultura como naturalista y realista en la que la búsqueda de equilibrio y simetría es su canon de belleza.
Siguiendo estas características encontramos en el Discóbolo distintos movimientos que corresponden a varios momentos de una misma acción, en este caso, el lanzamiento de disco con un único pie apoyado firmemente, las piernas flexionadas, el cuerpo inclinado hacia delante realizando el giro para coger velocidad, y el brazo derecho con el disco estirado hacia atrás para lanzar, vemos la parte inicial y casi final del lanzamiento pero sin finalizar la acción. La figura que, a pesar de realizar un movimiento de mucha tensión, esta no se refleja en sus músculos sin profundidad, en brazos y piernas, aunque si presenta naturalidad en la anatomía. El conjunto se estructura con curvas y rectas. Las primeras se aprecian en dos arcos que se forman, uno desde el disco hasta el pie izquierdo pasando por el brazo izquierdo y otro, desde la cabeza hasta el pie derecho pasando por el tronco, donde se cortan en el centro de la figura. Las rectas se distinguen con líneas de cada pie con el disco y la cabeza. Como soporte de la figura, se alza un tronco desde los pies hasta su cadera.
Otras características que son, esta vez, del estilo severo es la falta de expresividad en los rostros y la frontalidad que aun se aprecia en la figura que, a pesar del movimiento y la cabeza ladeada, solo pide observarla desde un lateral para verla en conjunto pero igualmente de frente. En la cabeza también se aprecia el cabello sin volumen, a modo de pequeñas incisiones en el mármol, muy característico del estilo severo.
Finalmente, cabe destacar como en el Discóbolo se cumple el objetivo de euritmia (movimiento armónico de la figura) buscado por Mirón y la representación de un cuerpo humano en el clímax del movimiento.
Título: Discóbolo
Autor: Mirón
Época: Primera ½ del s. V a.C.
Estilo: Griego clásico
2.- Contexto histórico.
El siglo V a.C. fue la etapa de mayor esplendor de Grecia, en la cual Atenas se convirtió en el centro cultural, coincidiendo con el gobierno de Pericles (siglo de Pericles).
Tras derrotar a los persas en la Segunda Guerra Médica, Atenas se convirtió en la polis más importante de Grecia y llegó a su máximo esplendor político, económico y cultural bajo el mandato de Pericles, el cual inició la reconstrucción de esta polis tras la guerra, además mandó construir una serie determinada de monumentos.
El Discóbolo es una estatua de bulto redondo, es decir exenta e independiente de la arquitectura. Representa a un joven atleta desnudo en el momento de lanzar un disco. Esta figura, originalmente fundida en bronce, ha llegado hasta nosotros a través de copias romanas esculpidas en mármol.
Con esta escultura Mirón pretendía mostrar el cuerpo humano en un momento de máxima tensión y movimiento, de tal forma que rompe con las características escultóricas del período arcaico, de figuras totalmente rectas y sin sensación de movimiento, de rostros inexpresivos y formas poco definidas. Así, en el clasicismo pleno tenemos una búsqueda de la belleza física del cuerpo humano, tomándolo como modelo pero buscando su perfección mediante la simetría y proporción numérica de cada parte entre si y, a su vez, con el conjunto. Por esto, usaran más como modelo al hombre que a la mujer, por ser más musculoso y definido que el de esta, que destaca más por sus redondeces. Teniendo en cuenta todo esto, podemos definir esta escultura como naturalista y realista en la que la búsqueda de equilibrio y simetría es su canon de belleza.
Siguiendo estas características encontramos en el Discóbolo distintos movimientos que corresponden a varios momentos de una misma acción, en este caso, el lanzamiento de disco con un único pie apoyado firmemente, las piernas flexionadas, el cuerpo inclinado hacia delante realizando el giro para coger velocidad, y el brazo derecho con el disco estirado hacia atrás para lanzar, vemos la parte inicial y casi final del lanzamiento pero sin finalizar la acción. La figura que, a pesar de realizar un movimiento de mucha tensión, esta no se refleja en sus músculos sin profundidad, en brazos y piernas, aunque si presenta naturalidad en la anatomía. El conjunto se estructura con curvas y rectas. Las primeras se aprecian en dos arcos que se forman, uno desde el disco hasta el pie izquierdo pasando por el brazo izquierdo y otro, desde la cabeza hasta el pie derecho pasando por el tronco, donde se cortan en el centro de la figura. Las rectas se distinguen con líneas de cada pie con el disco y la cabeza. Como soporte de la figura, se alza un tronco desde los pies hasta su cadera.
Otras características que son, esta vez, del estilo severo es la falta de expresividad en los rostros y la frontalidad que aun se aprecia en la figura que, a pesar del movimiento y la cabeza ladeada, solo pide observarla desde un lateral para verla en conjunto pero igualmente de frente. En la cabeza también se aprecia el cabello sin volumen, a modo de pequeñas incisiones en el mármol, muy característico del estilo severo.
Finalmente, cabe destacar como en el Discóbolo se cumple el objetivo de euritmia (movimiento armónico de la figura) buscado por Mirón y la representación de un cuerpo humano en el clímax del movimiento.
Los Mosaicos
El mosaico es una técnica artística, destinada a la decoración de suelos y muros en ámbitos privados y monumentos públicos. Se usó por primera vez a finales del siglo V a.C., aunque su momento de máximo esplendor se estableció durante el periodo helenístico.
En la antigua Grecia existieron dos tipos de mosaico:
El mosaico de piedras.
El mosaico de teselas.
El mosaico de piedras está hecho a partir de pequeñas piedras naturales blancas o ligeramente coloreadas, que se encontraban en playas o ríos secos. Algunos de los mosaicos de piedras más significativos se encuentran en Olinto (norte de Grecia) y en Pella (Macedonia), donde se conservaron excelentes pavimentos con dinámicas escenas mitológicas y de caza.
Mosaico de piedras. La caza del león.
El mosaico de teselas (opus tesselatum) está formado por pequeñas piezas de piedra de diferentes colores talladas con mayor o menor regularidad, llamadas teselas. Esta técnica fue sustituyendo progresivamente al mosaico de piedras, y posteriormente, las pequeñas piezas coloreadas se hicieron aun más pequeñas (0,5-1cm). Esta disminución en el tamaño de las teselas se hizo con la intención de conseguir un resultado visual muy próximo a la pintura.
Mosaico de Teselas. La casa de los Delfines.
Este tipo de mosaico de teselas diminutas recibe el nombre de opus vermiculatum. Ambas técnicas (tesselatum y vermiculatum) fueron también utilizadas en el mundo romano.
Aunque los mosaicos de teselas más antiguos se encontraron en Morgantina (Sicilia), es en la ciudad griega de Delos donde se conservaron el mayor número de pavimentos decorados con mosaicos.
En la antigua Grecia existieron dos tipos de mosaico:
El mosaico de piedras.
El mosaico de teselas.
El mosaico de piedras está hecho a partir de pequeñas piedras naturales blancas o ligeramente coloreadas, que se encontraban en playas o ríos secos. Algunos de los mosaicos de piedras más significativos se encuentran en Olinto (norte de Grecia) y en Pella (Macedonia), donde se conservaron excelentes pavimentos con dinámicas escenas mitológicas y de caza.
El mosaico de teselas (opus tesselatum) está formado por pequeñas piezas de piedra de diferentes colores talladas con mayor o menor regularidad, llamadas teselas. Esta técnica fue sustituyendo progresivamente al mosaico de piedras, y posteriormente, las pequeñas piezas coloreadas se hicieron aun más pequeñas (0,5-1cm). Esta disminución en el tamaño de las teselas se hizo con la intención de conseguir un resultado visual muy próximo a la pintura.
Este tipo de mosaico de teselas diminutas recibe el nombre de opus vermiculatum. Ambas técnicas (tesselatum y vermiculatum) fueron también utilizadas en el mundo romano.
Aunque los mosaicos de teselas más antiguos se encontraron en Morgantina (Sicilia), es en la ciudad griega de Delos donde se conservaron el mayor número de pavimentos decorados con mosaicos.
Cometario de Afrodita de Cnido
AFRODITA DE CNIDO
I.- Clasificación.
Título: Afrodita de Cnido
Autor: Praxíteles
Época: s. IV a.C.
Estilo: Griego clásico
II.- Contexto histórico.
Afrodita de Cnido es una escultura que pertenece al posclasicismo (s. IV a.C.) incluida en el período clásico (475-323 a.C.) donde los griegos vencieron a los persas y también marcó el inicio de la época de mayor esplendor cultural y artístico para las polis griegas. Entre estas, destacó Atenas por su supremacía política, económica y cultural, lo que además atraía a grandes filósofos y artistas de distintos puntos del Mediterráneo. Sin embargo, esta hegemonía provocó el aumento de las tensiones entre las polis, culminando en una serie de disputas internas, denominadas Guerras del Peloponeso (431-404 a.C.).
En el siglo IV a.C., las consecuencias de estas disputas se hicieron presentes en la desorganización política y decadencia económica que se fue extendiendo por el Mediterráneo, favoreciendo a los macedonios que, primero Filipo II y después Alejandro Magno, se hicieron con el control de los territorios griegos, unificando las polis. Esta nueva situación se mantuvo hasta la muerte de Alejandro Magno (323 a.C.) que pone fin al período clásico e inicia el helénico, con una serie de cambios: la fragmentación del imperio macedonio y la extensión por Oriente del arte griego, surgiendo nuevas ciudades como centros de cultura (Pérgamo y Alejandría).
III.- Comentario de la obra.
Afrodita de Cnido es una figura escultórico de bulto redondo y exenta (sin depender de una arquitectura), esculpida en mármol y de la que se conservan numerosas copias romanas. De temática mitológica, ya que se personifica a la diosa del amor Afrodita, introduce, además, el primer desnudo femenino del arte griego que ha llegado hasta nosotros. Anteriormente, solo se reproducía el desnudo masculino, sobre todo de atletas, mientras que las esculturas femeninas aparecían siempre vestidas, aunque con alguna técnica (como la de los “paños mojados” de Fidias) se insinuaban sus formas femeninas.
La figura representa a Afrodita tras tomar un baño, con lo que se justificó su desnudez, mientras recoge un manto de una hydria (punto de apoyo) con una mano y la otra que utiliza para abrirse el pubis.
En cuanto a los elementos formales, destacan algunas características del Posclasicismo: la personificación divina, la búsqueda de perfección técnica, la sensibilidad carnal representando la forma femenina con curvas suaves y sensuales, la preferencia del mármol frente al bronce y una mayor expresividad en el rostro que refleja cierta melancolía o ensoñación.
Otros trazos importantes se aprecian en el cuerpo. Predominan las formas blandas, sin definir la musculatura ya que es una representación femenina. En la postura, destaca el contraposto con una pierna de sostén en tensión que se corresponde con el brazo del mismo lado en reposo (cubriéndose) y con otra libre y relejada que se corresponde con el brazo del mismo lado en tensión, ya que sujeta el manto, el cual también actúa para disimular el punto de apoyo de la figura, que es la hydria. Este objeto es necesario, por la gran curvatura que adopta la cadera formando desde el torso un perfil en “S” que es la denominada “curva praxiteliana” y que desequilibra el cuerpo lateralmente.
En cuanto al punto de vista es frontal, ya que es la mejor forma de observar la postura de la figura aunque el giro de la cabeza nos incita a movernos ligeramente hacia un lateral. Destaca, especialmente, la incidencia de la luz en el, que resbala uniformemente por todo el cuerpo, siendo el manto el único elemento en el que se observan claros contrastes lumínicos (claroscuro).
Por último, Praxíteles consigue en esta estatua una mayor esbeltez (alargando el canon de Policleto de 7 a 8 cabezas a lo largo del cuerpo), gracia y feminidad siguiendo una línea más idealizadora que realista.
I.- Clasificación.
Título: Afrodita de Cnido
Autor: Praxíteles
Época: s. IV a.C.
Estilo: Griego clásico
II.- Contexto histórico.
Afrodita de Cnido es una escultura que pertenece al posclasicismo (s. IV a.C.) incluida en el período clásico (475-323 a.C.) donde los griegos vencieron a los persas y también marcó el inicio de la época de mayor esplendor cultural y artístico para las polis griegas. Entre estas, destacó Atenas por su supremacía política, económica y cultural, lo que además atraía a grandes filósofos y artistas de distintos puntos del Mediterráneo. Sin embargo, esta hegemonía provocó el aumento de las tensiones entre las polis, culminando en una serie de disputas internas, denominadas Guerras del Peloponeso (431-404 a.C.).
En el siglo IV a.C., las consecuencias de estas disputas se hicieron presentes en la desorganización política y decadencia económica que se fue extendiendo por el Mediterráneo, favoreciendo a los macedonios que, primero Filipo II y después Alejandro Magno, se hicieron con el control de los territorios griegos, unificando las polis. Esta nueva situación se mantuvo hasta la muerte de Alejandro Magno (323 a.C.) que pone fin al período clásico e inicia el helénico, con una serie de cambios: la fragmentación del imperio macedonio y la extensión por Oriente del arte griego, surgiendo nuevas ciudades como centros de cultura (Pérgamo y Alejandría).
Afrodita de Cnido es una figura escultórico de bulto redondo y exenta (sin depender de una arquitectura), esculpida en mármol y de la que se conservan numerosas copias romanas. De temática mitológica, ya que se personifica a la diosa del amor Afrodita, introduce, además, el primer desnudo femenino del arte griego que ha llegado hasta nosotros. Anteriormente, solo se reproducía el desnudo masculino, sobre todo de atletas, mientras que las esculturas femeninas aparecían siempre vestidas, aunque con alguna técnica (como la de los “paños mojados” de Fidias) se insinuaban sus formas femeninas.
La figura representa a Afrodita tras tomar un baño, con lo que se justificó su desnudez, mientras recoge un manto de una hydria (punto de apoyo) con una mano y la otra que utiliza para abrirse el pubis.
En cuanto a los elementos formales, destacan algunas características del Posclasicismo: la personificación divina, la búsqueda de perfección técnica, la sensibilidad carnal representando la forma femenina con curvas suaves y sensuales, la preferencia del mármol frente al bronce y una mayor expresividad en el rostro que refleja cierta melancolía o ensoñación.
Otros trazos importantes se aprecian en el cuerpo. Predominan las formas blandas, sin definir la musculatura ya que es una representación femenina. En la postura, destaca el contraposto con una pierna de sostén en tensión que se corresponde con el brazo del mismo lado en reposo (cubriéndose) y con otra libre y relejada que se corresponde con el brazo del mismo lado en tensión, ya que sujeta el manto, el cual también actúa para disimular el punto de apoyo de la figura, que es la hydria. Este objeto es necesario, por la gran curvatura que adopta la cadera formando desde el torso un perfil en “S” que es la denominada “curva praxiteliana” y que desequilibra el cuerpo lateralmente.
En cuanto al punto de vista es frontal, ya que es la mejor forma de observar la postura de la figura aunque el giro de la cabeza nos incita a movernos ligeramente hacia un lateral. Destaca, especialmente, la incidencia de la luz en el, que resbala uniformemente por todo el cuerpo, siendo el manto el único elemento en el que se observan claros contrastes lumínicos (claroscuro).
Por último, Praxíteles consigue en esta estatua una mayor esbeltez (alargando el canon de Policleto de 7 a 8 cabezas a lo largo del cuerpo), gracia y feminidad siguiendo una línea más idealizadora que realista.
Webquest del arte griego
WEBQUEST ARTE GRIEGO
INTRODUCCIÓN
Lo que cararcterizó a toda la civilización griega fue el interés por el hombre y ésto lo reflejaron en su arte. El racionalismo llevó a la búsqueda de la belleza ideal por medio de la proporción, la armonía y el equilibrio. En esta unidad nos vamos a centrar en la Arquitectura, las diferentes formas de contruir que adoptaron y los diversos usos y finalidades que dieron a estos edificios.
PROCESO
El trabajo se realizara con alumnos de 14 años, en un primer momento de manera individual con el material dado por el profesor, en una segunda parte sera mediante puesta en común.
TAREA
Los alumnos tendrán que distinguir diferentes tipologías de arquitectura griga, definir sus funciones y ubicarlas en el mapa de la Grecia Clásica.
También deberán reconocer y diferenciar los órdenes arquitectónicos, fijándose en la base, fuste y capitel de las columnas. Su respuesta debe ser razonada explicando las principales diferencias entre ellos:
RECURSOS WEB:
http://www.pastranec.net/arte/calsico/arquitecturag.htm
http://www.arquitecturatecnica.net/arquitectura-griega.htlm
http://www.arqhys.com/arquitectura-griega.html
http://www.arteespana.com/arquitecturagriega.htm
http://www.recursos.cnice.mec.es: En este enlace los alumnos podrán ver un mapa de la Grecia Clásica para poder llevar a cabo una de las actividades.
EVALUACIÓN
Se evaluara el trabajo personal de cada alumno y sus intervenciones en la puesta en común. Se tendrá en cuenta, mediante sus razonamientos y el debate con el resto de sus compañeros, que el alumno demuestre que ha asimilado los diferentes conceptos y conocimientos del tema.
CONCLUSIÓN
Con todo estos ejercicios se pretende un acercamiento a la arquitectura griega clásica, que el alumno sepa diferenciar sus diferentes usos y estilos y cómo han llegado hasta la arquitectura actual, cómo nos seguimos nutriendo de las enseñanzas del mundo clásico hoy en día, y la importancia que tienen.
INTRODUCCIÓN
Lo que cararcterizó a toda la civilización griega fue el interés por el hombre y ésto lo reflejaron en su arte. El racionalismo llevó a la búsqueda de la belleza ideal por medio de la proporción, la armonía y el equilibrio. En esta unidad nos vamos a centrar en la Arquitectura, las diferentes formas de contruir que adoptaron y los diversos usos y finalidades que dieron a estos edificios.
PROCESO
El trabajo se realizara con alumnos de 14 años, en un primer momento de manera individual con el material dado por el profesor, en una segunda parte sera mediante puesta en común.
TAREA
Los alumnos tendrán que distinguir diferentes tipologías de arquitectura griga, definir sus funciones y ubicarlas en el mapa de la Grecia Clásica.
También deberán reconocer y diferenciar los órdenes arquitectónicos, fijándose en la base, fuste y capitel de las columnas. Su respuesta debe ser razonada explicando las principales diferencias entre ellos:
RECURSOS WEB:
http://www.pastranec.net/arte/calsico/arquitecturag.htm
http://www.arquitecturatecnica.net/arquitectura-griega.htlm
http://www.arqhys.com/arquitectura-griega.html
http://www.arteespana.com/arquitecturagriega.htm
http://www.recursos.cnice.mec.es: En este enlace los alumnos podrán ver un mapa de la Grecia Clásica para poder llevar a cabo una de las actividades.
EVALUACIÓN
Se evaluara el trabajo personal de cada alumno y sus intervenciones en la puesta en común. Se tendrá en cuenta, mediante sus razonamientos y el debate con el resto de sus compañeros, que el alumno demuestre que ha asimilado los diferentes conceptos y conocimientos del tema.
CONCLUSIÓN
Con todo estos ejercicios se pretende un acercamiento a la arquitectura griega clásica, que el alumno sepa diferenciar sus diferentes usos y estilos y cómo han llegado hasta la arquitectura actual, cómo nos seguimos nutriendo de las enseñanzas del mundo clásico hoy en día, y la importancia que tienen.
LA ARQUITECTURA
Los Elementos arquitectónicos en grecia
La Arquitectura griega es una arquitectura simétrica, regular y adintelada, es decir, con techumbres horizontales. Sus edificios se van a caracterizar por el equilibro del conjunto, la armonía de proporciones y, sobretodo, por la pureza de líneas. Son edificios adintelados (sin arcos ni bóvedas, empleando siempre techumbres planas), de apariencia serena, al basarse en una estructura de líneas horizontales y verticales. Al construir sus edificios a la medida del hombre, tienen una gran preocupación por la apariencia exterior, que se inspira en la concepción el edificio como miembro de un conjunto, los griegos los circundan con un elemento , la columna, tratado como escultura, es decir, como una forma estética.
Los materiales empleados generalmente son piedras calizas: arenisca, conglomerados, mármol... En un principio se utilizó el conglomerado o piedra arenisca, llamado poro, para luego triunfar arrolladoramente el mármol de la colina del Pentélico.
Con frecuencia, la arquitectura estaba policromada al exterior con colores muy intensos: rojo, azul, amarillo dorado... Así, los triglifos se pintaban de azul, y el fondo de las metopas de rojo.
Priman los volúmenes sobre los espacios, los espacios exteriores sobre los interiores; más que arquitectura, los griegos hacen urbanismo.
A través de un gran virtuosismo técnico, los arquitectos griegos persiguían la armonía visual mediante refinamientos ópticos; algunos ejemplos son el éntasis (arqueamiento voluntario de los fustes), la separación de los intercolumnios (variación milimétrica entre una columna y otra) y se arquean ligeramente hacia arriba tanto los arquitrabes como el estilóbato, ya que el ojo humano tiende a combar ligeramente las líneas horizontales hacia abajo.
Los griegos fueron los primeros en desarrollar el urbanismo para el bienestar de los ciudadanos, y es la polis la que costea los gastos. Para un ateniense, toda su ciudad era una obra de arte y el concepto de belleza debía ser global. Para empezar existían tres elementos fundamentales a la hora de situar el emplazamiento de una polis: el militar, buscando siempre una parte alta o Acrópolis (es una pervivencia cretomicénica), el económico ya que el emplazamiento debía estar situado cerca del mar o en una encrucijada de caminos para facilitar la comunicación comercial y cultural y, por último, el criterio estético ya que el marco natural debía ayudar a hacer más bella la ciudad. Existieron dos modalidades de planos en la distribución de la ciudad:
- Plano irregular: adapta las construcciones a la topografía y no presenta una planificación general.
- Plano regular o hipodámico: de origen mesopotámico; fue introducido en Grecia por Hipodamos de Mileto. Se trata de un plano en damero o cuadrícula.
Plano hipodámico de Alejandría (Egipto).
Con la colonización griega las metrópolis van creciendo en espacio debido a la prosperidad económica que conlleva el intercambio comercial con sus colonias. Este crecimiento se planifica siempre. Hasta entonces la mayoría de la gente vivía en el campo alrededor del núcleo urbano pero a partir del siglo VI la polis pasa de ser la capital del Estado a ser la ciudad-Estado donde reside la mayoría de la población.
Existen varios elementos esenciales en la distribución urbanística de las polis:
• La Acrópolis era la parte alta de la ciudad. Un recinto amurallado y fácilmente defendible donde se situaban también los templos y los tesoros de los dioses que protegían la ciudad.
El Ágora era la plaza principal de la ciudad y centro neurálgico de la ciudad; tenía dos funciones: una política ya que era la plaza abierta donde se reunía periódicamente la Asamblea o conjunto de todos los ciudadanos para tomar, por votación, las decisiones más importantes. Pero pronto adquirió otra función comercial y alrededor del Ágora vivían artesanos y comerciantes, junto a las casas de los aristócratas (los que no vivían en las grandes y lujosas villas cercanas a la ciudad).
• La Stoa eran los pórticos cubiertos que rodeaban el ágora, daban cobijo a la gente y allí se situaban los comercios. Estas stoas porticadas continuaban por las calles principales de la ciudad. Eran lugares de paseo públicos.
• El Gimnasio y la Palestra eran los lugares de ocio y esparcimiento, allí se practicaban ejercicios físicos a la vez que eran centros de reunión cívicos, a modo de paseos decorados con columnas a ambos lados. Se situaban en los márgenes de la ciudad.
• El Teatro era el edificio más importante de la ciudad junto con los templos. Era el espectáculo predilecto de los helenos y será comentado más adelante.
• El Estadio era el otro gran centro cívico. De planta rectangular y con una cavea sobre el desnivel del terreno, servía para realizar diferentes juegos atléticos. Los griegos eran muy aficionados a estos deportes. Ellos crearon el concepto de deporte.
La vivienda tiene un trascendente interés para el conocimiento de la cultura helena. La casa particular traduce las dimensiones del individuo y no de la colectividad, como los templos y teatros. La vivienda se construye con materiales menos nobles, lo que ha contribuido a su peor conservación, pero se adornaba con pinturas. La vida doméstica gravitaba en torno al peristilo, patio con columnas al que se asomaban las habitaciones y que equivalía en el ámbito familiar al ágora urbana.
Los edificios religiosos. Se situaban en las acrópolis, que vienen a designar el lugar más importante de la polis. Están muy protegidos y en origen tuvieron un carácter defensivo. Son los templos y los santuarios.
TEMPLOS
El templo clásico procede del Megarón prehelénico: templo de planta rectangular con un pórtico entre dos antas, una pieza a modo de vestíbulo y una sala en cuyo centro se disponía el hogar. En estos edificios religiosos se utilizaba madera y adobe. La techumbre, a doble vertiente, tenía una abertura por la que entraba la luz y salía el humo del fuego sagrado.
El templo es la morada del dios, y no daba cobijo a los fieles, de ahí que el tratamiento interior haya sido limitado y predomine en cambio su envoltura externa. En realidad la función religiosa no es más que un pretexto para dar rienda suelta al placer estético. El templo es un capricho, ganas de hacer algo bello para el ojo humano, aunque se destine a un Dios (con características humanas). Por eso existe una dicotomía entre un exterior muy decorado, estudiado hasta el más minúsculo detalle y un interior mucho más austero ya que el acceso estaba muy restringido. El templo estaba diseñado para las proporciones humanas, su ritmo, armonía y proporciones eran un intento de llegar a la perfección.
Su disposición suele ser muy sencilla. La planta representa una simetría perfecta. El espacio que rodea al templo forma parte del recinto sagrado (tenemos). La distribución del templo es la siguiente:
-- Crepidoma o Krepis: la plataforma sobre la que se construye el edificio, que contribuye a realzar la mole. Esta plataforma se compone de una escalinata, cuyos dos escalones inferiores se llaman estereobato, y el superior, donde descansan las columnas, estilobato.
-- Pronaos: antesala o vestíbulo abierto con muros laterales y dos columnas “in antis”, a través del cual se accede a la naos o cella.
-- Naos o cella (hekatompedos): sala consagrada a la divinidad, donde suele colocarse una estatua de la misma.
-- Opistodomos: sala posterior donde se depositan las ofrendas de los fieles a la deidad, sin acceso desde la Naos; si se tiene acceso desde la cella se llama adyton, y su función es guardar el tesoro de la ciudad.
Alrededor estaba rodeado de un Peristilo de columnas, de madera hasta el siglo VI, de piedra después.
La Arquitectura griega es una arquitectura simétrica, regular y adintelada, es decir, con techumbres horizontales. Sus edificios se van a caracterizar por el equilibro del conjunto, la armonía de proporciones y, sobretodo, por la pureza de líneas. Son edificios adintelados (sin arcos ni bóvedas, empleando siempre techumbres planas), de apariencia serena, al basarse en una estructura de líneas horizontales y verticales. Al construir sus edificios a la medida del hombre, tienen una gran preocupación por la apariencia exterior, que se inspira en la concepción el edificio como miembro de un conjunto, los griegos los circundan con un elemento , la columna, tratado como escultura, es decir, como una forma estética.
Los materiales empleados generalmente son piedras calizas: arenisca, conglomerados, mármol... En un principio se utilizó el conglomerado o piedra arenisca, llamado poro, para luego triunfar arrolladoramente el mármol de la colina del Pentélico.
Con frecuencia, la arquitectura estaba policromada al exterior con colores muy intensos: rojo, azul, amarillo dorado... Así, los triglifos se pintaban de azul, y el fondo de las metopas de rojo.
Priman los volúmenes sobre los espacios, los espacios exteriores sobre los interiores; más que arquitectura, los griegos hacen urbanismo.
A través de un gran virtuosismo técnico, los arquitectos griegos persiguían la armonía visual mediante refinamientos ópticos; algunos ejemplos son el éntasis (arqueamiento voluntario de los fustes), la separación de los intercolumnios (variación milimétrica entre una columna y otra) y se arquean ligeramente hacia arriba tanto los arquitrabes como el estilóbato, ya que el ojo humano tiende a combar ligeramente las líneas horizontales hacia abajo.
Los griegos fueron los primeros en desarrollar el urbanismo para el bienestar de los ciudadanos, y es la polis la que costea los gastos. Para un ateniense, toda su ciudad era una obra de arte y el concepto de belleza debía ser global. Para empezar existían tres elementos fundamentales a la hora de situar el emplazamiento de una polis: el militar, buscando siempre una parte alta o Acrópolis (es una pervivencia cretomicénica), el económico ya que el emplazamiento debía estar situado cerca del mar o en una encrucijada de caminos para facilitar la comunicación comercial y cultural y, por último, el criterio estético ya que el marco natural debía ayudar a hacer más bella la ciudad. Existieron dos modalidades de planos en la distribución de la ciudad:
- Plano irregular: adapta las construcciones a la topografía y no presenta una planificación general.
- Plano regular o hipodámico: de origen mesopotámico; fue introducido en Grecia por Hipodamos de Mileto. Se trata de un plano en damero o cuadrícula.
Plano hipodámico de Alejandría (Egipto).
Con la colonización griega las metrópolis van creciendo en espacio debido a la prosperidad económica que conlleva el intercambio comercial con sus colonias. Este crecimiento se planifica siempre. Hasta entonces la mayoría de la gente vivía en el campo alrededor del núcleo urbano pero a partir del siglo VI la polis pasa de ser la capital del Estado a ser la ciudad-Estado donde reside la mayoría de la población.
Existen varios elementos esenciales en la distribución urbanística de las polis:
• La Acrópolis era la parte alta de la ciudad. Un recinto amurallado y fácilmente defendible donde se situaban también los templos y los tesoros de los dioses que protegían la ciudad.
El Ágora era la plaza principal de la ciudad y centro neurálgico de la ciudad; tenía dos funciones: una política ya que era la plaza abierta donde se reunía periódicamente la Asamblea o conjunto de todos los ciudadanos para tomar, por votación, las decisiones más importantes. Pero pronto adquirió otra función comercial y alrededor del Ágora vivían artesanos y comerciantes, junto a las casas de los aristócratas (los que no vivían en las grandes y lujosas villas cercanas a la ciudad).
• La Stoa eran los pórticos cubiertos que rodeaban el ágora, daban cobijo a la gente y allí se situaban los comercios. Estas stoas porticadas continuaban por las calles principales de la ciudad. Eran lugares de paseo públicos.
• El Gimnasio y la Palestra eran los lugares de ocio y esparcimiento, allí se practicaban ejercicios físicos a la vez que eran centros de reunión cívicos, a modo de paseos decorados con columnas a ambos lados. Se situaban en los márgenes de la ciudad.
• El Teatro era el edificio más importante de la ciudad junto con los templos. Era el espectáculo predilecto de los helenos y será comentado más adelante.
• El Estadio era el otro gran centro cívico. De planta rectangular y con una cavea sobre el desnivel del terreno, servía para realizar diferentes juegos atléticos. Los griegos eran muy aficionados a estos deportes. Ellos crearon el concepto de deporte.
La vivienda tiene un trascendente interés para el conocimiento de la cultura helena. La casa particular traduce las dimensiones del individuo y no de la colectividad, como los templos y teatros. La vivienda se construye con materiales menos nobles, lo que ha contribuido a su peor conservación, pero se adornaba con pinturas. La vida doméstica gravitaba en torno al peristilo, patio con columnas al que se asomaban las habitaciones y que equivalía en el ámbito familiar al ágora urbana.
Los edificios religiosos. Se situaban en las acrópolis, que vienen a designar el lugar más importante de la polis. Están muy protegidos y en origen tuvieron un carácter defensivo. Son los templos y los santuarios.
TEMPLOS
El templo clásico procede del Megarón prehelénico: templo de planta rectangular con un pórtico entre dos antas, una pieza a modo de vestíbulo y una sala en cuyo centro se disponía el hogar. En estos edificios religiosos se utilizaba madera y adobe. La techumbre, a doble vertiente, tenía una abertura por la que entraba la luz y salía el humo del fuego sagrado.
El templo es la morada del dios, y no daba cobijo a los fieles, de ahí que el tratamiento interior haya sido limitado y predomine en cambio su envoltura externa. En realidad la función religiosa no es más que un pretexto para dar rienda suelta al placer estético. El templo es un capricho, ganas de hacer algo bello para el ojo humano, aunque se destine a un Dios (con características humanas). Por eso existe una dicotomía entre un exterior muy decorado, estudiado hasta el más minúsculo detalle y un interior mucho más austero ya que el acceso estaba muy restringido. El templo estaba diseñado para las proporciones humanas, su ritmo, armonía y proporciones eran un intento de llegar a la perfección.
Su disposición suele ser muy sencilla. La planta representa una simetría perfecta. El espacio que rodea al templo forma parte del recinto sagrado (tenemos). La distribución del templo es la siguiente:
-- Crepidoma o Krepis: la plataforma sobre la que se construye el edificio, que contribuye a realzar la mole. Esta plataforma se compone de una escalinata, cuyos dos escalones inferiores se llaman estereobato, y el superior, donde descansan las columnas, estilobato.
-- Pronaos: antesala o vestíbulo abierto con muros laterales y dos columnas “in antis”, a través del cual se accede a la naos o cella.
-- Naos o cella (hekatompedos): sala consagrada a la divinidad, donde suele colocarse una estatua de la misma.
-- Opistodomos: sala posterior donde se depositan las ofrendas de los fieles a la deidad, sin acceso desde la Naos; si se tiene acceso desde la cella se llama adyton, y su función es guardar el tesoro de la ciudad.
Alrededor estaba rodeado de un Peristilo de columnas, de madera hasta el siglo VI, de piedra después.
Comentario del Partenón
ENCUADRE
TÍTULO: El Partenón de Atenas
ESTILO: Arte clásico griego.
GÉNERO: Arquitectura religiosa. Templo. Exterior.
CRONOLOGÍA: Siglo V a.C. (447-432 a. C). Acrópolis de Atenas. Grecia.
AUTOR: Ictinos y Calícrates, bajo la supervisión de Fidias, por encargo de Pericles.
OTRAS OBRAS: no del autor, pero si de la misma época son los Propileos, el Templo de la Atenea Niké y el Erecteion, todos en la Acrópolis de Atenas
ANÁLISIS
Se trata de la imagen de un edificio construido siguiendo los cánones del orden dórico. El material parece piedra o mármol, con sillares uniformes, del tipo isódomo. Todo el sistema arquitectónico es adintelado. Los soportes son columnas que sostienen dinteles y la cubierta que ya ha desaparecido.
Se trata de un templo griego que, por el número de columnas que aparecen en su fachada principal, es octástilo, y como éstas rodean todo el templo, se le denomina períptero. En total aparecen ocho columnas en sus lados menores y diecisiete en los mayores, siendo, por este motivo, el doble de largo que de ancho.
Estas columnas descansan directamente sobre un estilóbato y dos estereóbatos. En el orden dórico las columnas no tienen basa y su fuste tiene un canon de 6 veces el diámetro. El fuste está recorrido por 20 estrías longitudinales, unidas en arista viva, y presenta en su parte central un ligero ensanchamiento o éntasis que acentúa su solidez y fortaleza. El paso del fuste al capitel se realiza por medio de una moldura cóncava, casi imperceptible, llamada collarino. Dicho capitel está compuesto por dos elementos: el equino, que es una especie de plato y el ábaco o paralelepípedo de base cuadrada y planos rectos. Sobre la serie de capiteles descansa el entablamento, dividido a su vez en tres partes. La primera constituida por un arquitrabe liso, desprovisto de ornamentación. La segunda, denominada friso, está formada, a su vez, por la sucesión de triglifos y metopas. Los primeros constan de dos estrías o glifos en su parte central y dos medias estrías en sus extremos. Las metopas son paneles decorados con relieves. Sobre el friso se halla la cornisa que sobresale del plano del entablamento.
El edificio tiene una cubierta inclinada a dos aguas, presentando en sus fachadas más estrechas dos frontónes, cuyo fondo o tímpano incluye aún restos de algunas estatuas. En una de las fachadas se adivina un segundo pórtico de columnas en la pronaos que da paso a la naos o cella del templo y, por su largura, parece que tiene opistódomos.
COMENTARIO
La imagen corresponde al templo del Partenón, proyectado, siguiendo las directrices marcadas por Fidias, por los arquitectos Ictino y Calícrates, quienes comenzaron su construcción en el año 447 antes de Cristo y la acabaron en el 432 a. C. Las obras se iniciaron tras ser el antiguo templo totalmente arrasado por los ejércitos persas de Jerjes en las Guerras Médicas (500-479 a.C.). Fue Pericles quien decidió la construcción de un templo dedicado a Atenea en el mismo emplazamiento, pero con un nuevo proyecto realizado por Fidias y Calícrates, que serían los encargados de diseñar y dirigir la reconstrucción de toda la Acrópolis. No sólo se hizo el Partenón, sino el diseño de toda la Acrópolis de Atenas, lugar sagrado de la Polis, enclavado en la zona más alta de la ciudad y donde se hallaban los Propileos o pórticos de acceso, el templo de la Atenea Niké, el templo del Erecteion o la estatua de Atenea Prómachos, obra también de Fidias.
Como todos los templos griegos, el Partenón está concebido no como lugar de reunión de fieles, sino como morada del Dios (en este caso diosa, Atenea) al que está dedicado y almacén de sus tesoros. De ahí que las ceremonias no se hacen en el interior (aquí sólo acceden los sacerdotes del Dios), sino en el exterior. Ello significa que los griegos se centraban en la arquitectura exterior, en la armonía visual del conjunto exterior, más que en la comodidad interior. Su exterior es adintelado, de líneas geométricas rectas, como toda la arquitectura griega.
Según el proyecto, cada edificio de la Acrópolis conservaba su fisonomía propia y autónoma, permitiendo al visitante captar la esencia de cada construcción, según el ángulo visual más adecuado, especialmente la del Partenón. El Partenón tenía 69,50 metros de longitud y 31 de anchura. Su cella se dividía en dos estancias separadas por un muro, que convertía al recinto en un doble templo. En la mayor de las estancias se hallaba la estatua, en material crisoelefantino, de la Atenea Parthenos, en la menor se hallaba el tesoro de la diosa y el tesoro público. Después estaba el opistódomos.
Como quiera que parte del marfil y del oro dedicado a la estatua de la Diosa desapareció (Atenea Parthenos, de ahí toma su nombre), Fidias fue acusado de robo y condenado a prisión, donde murió, según algunos autores, aunque otros hablan de que falleció en el destierro, víctima de los enemigos de Pericles.
En cuanto a los refinamientos ópticos apreciables desde el exterior, el estilóbato presenta sus ángulos extremos a un nivel más bajo que el del centro, que dobla sus aristas levemente en sentido contrario. Las columnas presentan en sus ejes una ligera curvatura hacia dentro, la columnata del peristilo sufre una inclinación hacia los muros de la cella, inclinación que se repite en todos los elementos verticales, mientras que el entablamento presenta una pequeña curvatura hacia arriba. El objetivo de todas estas desviaciones es el de corregir las ilusiones ópticas del conjunto, evitando que el estilóbato sea un elemento pasivo; que las cuatro columnas de los ángulos parezcan más delgadas que las otras o que el entablamento se presente como un cuerpo abombado por el centro.
La orientación este-oeste tenía el objetivo de conseguir que el sol naciente proyectara sus rayos directamente sobre la estatua de Atenea en el día de su fiesta. Este homenaje a Atenea se completa con los temas que decoran el templo. Así pues, las esculturas que incluían sus frontones representaban dos acontecimientos importantes de la historia de la diosa: su nacimiento de la cabeza de Zeus, inserto en el frontón oriental; y su disputa con Poseidón para conseguir el dominio del Ática, en el occidental, todas ellas obras de Fidias.
Si en las zonas más elevadas del templo las historias que aparecen son protagonizadas por los dioses, a medida que descendemos, los temas se van humanizando. De este manera, en los noventa y dos cuadros de las metopas aparece la lucha de los atenienses con los centauros en la fachada meridional; con las amazonas en la occidental; con los gigantes o titanes en la oriental y contra los habitantes de Troya en el lado norte. Por último, en el friso interno, rodeando los muros de la cella, aparece una escena muy conocida por los atenienses, ya que ésta se repetía cada cuatro años. Era la procesión de las grandes fiestas Panateneas, cuyo tema central era la entrega a la diosa de un rico peplo tejido y bordado por las doncellas que lo portaban y que, a su vez, iban acompañadas por toda la ciudad que se convertía así en protagonista de la iconografía del Partenón.
La historia posterior del Partenón representa un paradigma de despropósitos. Durante más de dos mil cien años el edificio se conservó casi intacto, siendo primero iglesia bizantina y luego iglesia cristiana, añadiéndose un campanario, que pasó a ser alminar cuando los turcos lo utilizaron como mezquita. En este estado se encontraba, cuando el 26 de septiembre de 1687, una bomba veneciana hizo estallar el polvorín que los turcos habían instalado en su interior, destruyéndose totalmente la cella y algunas de sus columnas. Otra importante pérdida fue ocasionada por Lord Elgin que, entre 1801 y 1803, despojó al templo de buena parte de sus esculturas, guardadas desde entonces en el Museo Británico. Tras algunos intentos de restauración durante el pasado siglo, entre 1921 y 1929, se llevó a cabo una reconstrucción más sistemática. Hoy el edificio se enfrenta a un nuevo enemigo: la contaminación atmosférica. Sin embargo, a pesar de estos ataques, el Partenón sigue ahí, desafiando al tiempo, en una lección de sobriedad y belleza difícilmente superables.
CONTEXTO HISTÓRICO
Obra perteneciente a la época más floreciente de Grecia, el siglo V a.C., la etapa verdaderamente clásica, donde se persigue el ideal de belleza y el idealismo más extremo, ya que el hombre es el centro de todas las cosas y se persiguen todos los modelos basados en el hombre; de hecho hasta los dioses tendrán caracteres humanos: vicios, manías, costumbres, hasta forma humana. La arquitectura griega y, en general, todo el arte griego es un arte hecho para el hombre, con proporciones humanas, a diferencia del arte de las civilizaciones fluviales. La herencia cultural de Grecia en la sociedad occidental es inmensa, y hoy se sigue buscando el mismo ideal de belleza, de perfección, de equilibrio y de armonía. Además, el teatro, la filosofía, la medicina, la historia, la política de la democracia... son ciencias que tienen su origen en el mundo heleno.
Esta obra se realiza en el gran siglo de Pericles, hombre fuerte de la Polis de Atenas, que la hace estar a la cabeza de toda Grecia, del desarrollo de las ciudades-estados independientes. En Atenas impera la democracia y el respaldo a las artes y las ciencias (desarrollo de la filosofía, de la medicina, de la arquitectura...). Sin embargo, frente a Atenas, se alzará otra Polis igual de fuerte, Esparta, con un ideal de vida mucho más oligárquico, militar y disciplinario, que convocará una alianza de Polis contra Atenas, a la cual derrotará en las Guerras del Peloponeso (431-404 a. C.), lo que supondrá la crisis del ideal griego y la llegada del imperio con Alejandro Magno.
TÍTULO: El Partenón de Atenas
ESTILO: Arte clásico griego.
GÉNERO: Arquitectura religiosa. Templo. Exterior.
CRONOLOGÍA: Siglo V a.C. (447-432 a. C). Acrópolis de Atenas. Grecia.
AUTOR: Ictinos y Calícrates, bajo la supervisión de Fidias, por encargo de Pericles.
OTRAS OBRAS: no del autor, pero si de la misma época son los Propileos, el Templo de la Atenea Niké y el Erecteion, todos en la Acrópolis de Atenas
ANÁLISIS
Se trata de la imagen de un edificio construido siguiendo los cánones del orden dórico. El material parece piedra o mármol, con sillares uniformes, del tipo isódomo. Todo el sistema arquitectónico es adintelado. Los soportes son columnas que sostienen dinteles y la cubierta que ya ha desaparecido.
Se trata de un templo griego que, por el número de columnas que aparecen en su fachada principal, es octástilo, y como éstas rodean todo el templo, se le denomina períptero. En total aparecen ocho columnas en sus lados menores y diecisiete en los mayores, siendo, por este motivo, el doble de largo que de ancho.
Estas columnas descansan directamente sobre un estilóbato y dos estereóbatos. En el orden dórico las columnas no tienen basa y su fuste tiene un canon de 6 veces el diámetro. El fuste está recorrido por 20 estrías longitudinales, unidas en arista viva, y presenta en su parte central un ligero ensanchamiento o éntasis que acentúa su solidez y fortaleza. El paso del fuste al capitel se realiza por medio de una moldura cóncava, casi imperceptible, llamada collarino. Dicho capitel está compuesto por dos elementos: el equino, que es una especie de plato y el ábaco o paralelepípedo de base cuadrada y planos rectos. Sobre la serie de capiteles descansa el entablamento, dividido a su vez en tres partes. La primera constituida por un arquitrabe liso, desprovisto de ornamentación. La segunda, denominada friso, está formada, a su vez, por la sucesión de triglifos y metopas. Los primeros constan de dos estrías o glifos en su parte central y dos medias estrías en sus extremos. Las metopas son paneles decorados con relieves. Sobre el friso se halla la cornisa que sobresale del plano del entablamento.
El edificio tiene una cubierta inclinada a dos aguas, presentando en sus fachadas más estrechas dos frontónes, cuyo fondo o tímpano incluye aún restos de algunas estatuas. En una de las fachadas se adivina un segundo pórtico de columnas en la pronaos que da paso a la naos o cella del templo y, por su largura, parece que tiene opistódomos.
COMENTARIO
La imagen corresponde al templo del Partenón, proyectado, siguiendo las directrices marcadas por Fidias, por los arquitectos Ictino y Calícrates, quienes comenzaron su construcción en el año 447 antes de Cristo y la acabaron en el 432 a. C. Las obras se iniciaron tras ser el antiguo templo totalmente arrasado por los ejércitos persas de Jerjes en las Guerras Médicas (500-479 a.C.). Fue Pericles quien decidió la construcción de un templo dedicado a Atenea en el mismo emplazamiento, pero con un nuevo proyecto realizado por Fidias y Calícrates, que serían los encargados de diseñar y dirigir la reconstrucción de toda la Acrópolis. No sólo se hizo el Partenón, sino el diseño de toda la Acrópolis de Atenas, lugar sagrado de la Polis, enclavado en la zona más alta de la ciudad y donde se hallaban los Propileos o pórticos de acceso, el templo de la Atenea Niké, el templo del Erecteion o la estatua de Atenea Prómachos, obra también de Fidias.
Como todos los templos griegos, el Partenón está concebido no como lugar de reunión de fieles, sino como morada del Dios (en este caso diosa, Atenea) al que está dedicado y almacén de sus tesoros. De ahí que las ceremonias no se hacen en el interior (aquí sólo acceden los sacerdotes del Dios), sino en el exterior. Ello significa que los griegos se centraban en la arquitectura exterior, en la armonía visual del conjunto exterior, más que en la comodidad interior. Su exterior es adintelado, de líneas geométricas rectas, como toda la arquitectura griega.
Según el proyecto, cada edificio de la Acrópolis conservaba su fisonomía propia y autónoma, permitiendo al visitante captar la esencia de cada construcción, según el ángulo visual más adecuado, especialmente la del Partenón. El Partenón tenía 69,50 metros de longitud y 31 de anchura. Su cella se dividía en dos estancias separadas por un muro, que convertía al recinto en un doble templo. En la mayor de las estancias se hallaba la estatua, en material crisoelefantino, de la Atenea Parthenos, en la menor se hallaba el tesoro de la diosa y el tesoro público. Después estaba el opistódomos.
Como quiera que parte del marfil y del oro dedicado a la estatua de la Diosa desapareció (Atenea Parthenos, de ahí toma su nombre), Fidias fue acusado de robo y condenado a prisión, donde murió, según algunos autores, aunque otros hablan de que falleció en el destierro, víctima de los enemigos de Pericles.
En cuanto a los refinamientos ópticos apreciables desde el exterior, el estilóbato presenta sus ángulos extremos a un nivel más bajo que el del centro, que dobla sus aristas levemente en sentido contrario. Las columnas presentan en sus ejes una ligera curvatura hacia dentro, la columnata del peristilo sufre una inclinación hacia los muros de la cella, inclinación que se repite en todos los elementos verticales, mientras que el entablamento presenta una pequeña curvatura hacia arriba. El objetivo de todas estas desviaciones es el de corregir las ilusiones ópticas del conjunto, evitando que el estilóbato sea un elemento pasivo; que las cuatro columnas de los ángulos parezcan más delgadas que las otras o que el entablamento se presente como un cuerpo abombado por el centro.
La orientación este-oeste tenía el objetivo de conseguir que el sol naciente proyectara sus rayos directamente sobre la estatua de Atenea en el día de su fiesta. Este homenaje a Atenea se completa con los temas que decoran el templo. Así pues, las esculturas que incluían sus frontones representaban dos acontecimientos importantes de la historia de la diosa: su nacimiento de la cabeza de Zeus, inserto en el frontón oriental; y su disputa con Poseidón para conseguir el dominio del Ática, en el occidental, todas ellas obras de Fidias.
Si en las zonas más elevadas del templo las historias que aparecen son protagonizadas por los dioses, a medida que descendemos, los temas se van humanizando. De este manera, en los noventa y dos cuadros de las metopas aparece la lucha de los atenienses con los centauros en la fachada meridional; con las amazonas en la occidental; con los gigantes o titanes en la oriental y contra los habitantes de Troya en el lado norte. Por último, en el friso interno, rodeando los muros de la cella, aparece una escena muy conocida por los atenienses, ya que ésta se repetía cada cuatro años. Era la procesión de las grandes fiestas Panateneas, cuyo tema central era la entrega a la diosa de un rico peplo tejido y bordado por las doncellas que lo portaban y que, a su vez, iban acompañadas por toda la ciudad que se convertía así en protagonista de la iconografía del Partenón.
La historia posterior del Partenón representa un paradigma de despropósitos. Durante más de dos mil cien años el edificio se conservó casi intacto, siendo primero iglesia bizantina y luego iglesia cristiana, añadiéndose un campanario, que pasó a ser alminar cuando los turcos lo utilizaron como mezquita. En este estado se encontraba, cuando el 26 de septiembre de 1687, una bomba veneciana hizo estallar el polvorín que los turcos habían instalado en su interior, destruyéndose totalmente la cella y algunas de sus columnas. Otra importante pérdida fue ocasionada por Lord Elgin que, entre 1801 y 1803, despojó al templo de buena parte de sus esculturas, guardadas desde entonces en el Museo Británico. Tras algunos intentos de restauración durante el pasado siglo, entre 1921 y 1929, se llevó a cabo una reconstrucción más sistemática. Hoy el edificio se enfrenta a un nuevo enemigo: la contaminación atmosférica. Sin embargo, a pesar de estos ataques, el Partenón sigue ahí, desafiando al tiempo, en una lección de sobriedad y belleza difícilmente superables.
CONTEXTO HISTÓRICO
Obra perteneciente a la época más floreciente de Grecia, el siglo V a.C., la etapa verdaderamente clásica, donde se persigue el ideal de belleza y el idealismo más extremo, ya que el hombre es el centro de todas las cosas y se persiguen todos los modelos basados en el hombre; de hecho hasta los dioses tendrán caracteres humanos: vicios, manías, costumbres, hasta forma humana. La arquitectura griega y, en general, todo el arte griego es un arte hecho para el hombre, con proporciones humanas, a diferencia del arte de las civilizaciones fluviales. La herencia cultural de Grecia en la sociedad occidental es inmensa, y hoy se sigue buscando el mismo ideal de belleza, de perfección, de equilibrio y de armonía. Además, el teatro, la filosofía, la medicina, la historia, la política de la democracia... son ciencias que tienen su origen en el mundo heleno.
Esta obra se realiza en el gran siglo de Pericles, hombre fuerte de la Polis de Atenas, que la hace estar a la cabeza de toda Grecia, del desarrollo de las ciudades-estados independientes. En Atenas impera la democracia y el respaldo a las artes y las ciencias (desarrollo de la filosofía, de la medicina, de la arquitectura...). Sin embargo, frente a Atenas, se alzará otra Polis igual de fuerte, Esparta, con un ideal de vida mucho más oligárquico, militar y disciplinario, que convocará una alianza de Polis contra Atenas, a la cual derrotará en las Guerras del Peloponeso (431-404 a. C.), lo que supondrá la crisis del ideal griego y la llegada del imperio con Alejandro Magno.
Comentario de Laooconte y sus hijos
LAOOCONTE Y SUS HIJOS
ENCUADRETítulo: Grupo del Laoconte y sus hijos. Museos Vaticanos. Roma
Género: Escultura. Bulto redondo. Grupo.
Estilo: Arte Griego.
Autor: (otras obras): Polidoro, Agesandro y Atenodoro; no se conocen otras obras de estos autores, ya que lo nornal en el helenismo son las escuelas y no los autores individuales.
Cronología: Es una obra del período helenístico (S.IV- I. a.C.); En concreto, esta copia del Museo Vaticano es del Siglo I a.C., copia de un original probablemente de los siglos III o IV a.C.
Otras obras: no de los autores, pero sí de las misma escuela son: Victoria de Samotracia o Grupo del Toro Farnesio.
ANÁLISIS
– Tipología: La obra que comentamos es una escultura de bulto redondo, en concreto un grupo escultórico.
– Material: Está hecha en mármol, pero se trata de una copia romana; el original era de bronce.
– Volumen: la obra es de gran volumen, que es subrayado por el movimiento y la tensión de la escena. El grupo presenta una concepción bidimensional, está concebido para ser visto de frente, y no para que el espectador de la vuelta en torno a él. Tiene unas dimensiones de 2,45 m. de altura.
– Técnica: Por la técnica de esta obra, podemos decir que la escultura griega ha alcanzado el grado de barroquismo, como se puede apreciar en la tensión y dramatismo de los rostros cuerpos y el movimiento y la inestabilidad de todo el grupo.
El personaje central, Laooconte, de mayor tamaño, destaca por su estudio anatómico y del rostro. Tiene postura semisedente, que parece apoyarse en el asiento, del que cuelgan unos rígidos ropajes. Tiene la pierna derecha doblada y la izquierda retrasada, acentuando la idea de tensión.
La composición más que piramidal, se puede considerar triangular. Las figuras laterales, los hijos de Laoconte se abren en forma de ángulos rompiendo la verticalidad. Por lo tanto, nos encontramos ante un gran desequilibrio compositivo. El movimiento forzado y la tensión del conjunto se acentúan por la disposición de las serpientes que, con sus anillos de formas sinuosas con curvas y contracurvas a la vez cierran y abren el conjunto. El cuerpo desnudo de Laoconte es un perfecto estudio anatómico, se trata de la anatomía de un atleta ya maduro, casi decadente, pero con una musculatura hiperdesarrollada (muy propio del helenismo), que contrasta con los cuerpos menos expresivos y más clásicos de sus dos hijos.
Las calidades táctiles están estudiadas con gran virtuosismo técnico: piel, cabellos, los escasos vestidos. Podemos apreciar las rugosidades y texturas de la piel, los rizos con abundante labor de trépano en barbas (presenta profundas incisiones para dar efecto de gran relieve de claroscuro), los cabellos que acentúan los efectos de luz y sombra y el acanalamiento rígido de los paños. Los rostros y gestos son tremendamente expresivos, reflejan miedo y dolor, pero lo gestual y emotivo no sólo están en los rostros, sino en los cuerpos en movimiento, en el dinamismo de la composición, en el ritmo marcado por brazos, piernas y serpientes: Lo dramático, el “Pathos” se ha impuesto definitivamente.
COMENTARIO
– Tema o asunto representado: El tema representado aquí es mitológico: el sacerdote troyano Laoconte (figura central y de mayor tamaño), es castigado por los dioses a morir junto a sus hijos por dos tremendas serpientes marinas.
– Explicación simbólica: Esta obra expresa como ninguna del mundo antiguo la cólera de los dioses y los castigos crueles que éstos pueden poner a los pobres mortales. Simboliza el enfrentamiento entre las fuerzas poderosas de lo incomprensible y la impotencia humana. En este caso, el sacerdote troyano de Apolo, es castigado por exhortar a sus compatriotas a no aceptar el Caballo de Troya como regalo de los griegos; los dioses al ver frustrados sus planes de destruir Troya, enviaron dos gigantescas serpientes de mar para que se apoderaran del sacerdote y de sus dos desafortunados hijos y los estrujaran entre sus anillos. En el rostro de Laoconte se puede apreciar el dolor, no sólo físico, sino el moral al verse impotente y no poder hacer nada por sus hijos inocentes.
– Funcionalidad: Esta obra tiene una clara funcionalidad propagandística: en el mundo helenístico las obras se hacían por encargo de personajes poderosos: monarcas o sátrapas, generales, etc. También tiene una funcionalidad religiosa: ver los castigos que se podían recibir cuando los mortales desobedecían o enojaban a los dioses.
La obra pertenece al Arte Griego (S. VIII-I a.C.), y más concretamente al período helenístico (323-S.I a.C.), que se caracteriza por la pérdida del equilibrio formal y psicológico, así como la atenuación del idealismo clásico y tendencia a representar lo naturalista y el realismo extremo, aunque éste resulte desagradable o deficiente (niños, ancianos, agonizantes...), se prefiere lo feo a la belleza formal, triunfa lo anecdótico, lo recargado, lo expresivo; se alcanza la perfección en el movimiento, con escorzos, composiciones en diagonal, desequilibrio en los cuerpos, dramatismo y tensión en los rostros. Se pierde parte de la independencia e individualismo de los artistas, al concentrarse estos en talleres o escuelas.
Pertenece a la Escuela de Rodas; esta escuela, junto con la de Pérgamo, se diferencia de la de Atenas, más clásica, y la de Alejandría, más cotidiana y alegórica por el movimiento exagerado, el sentido expresivo hasta lo agónico, complicación formal y dinámica; dramatismo y patetismo, la acentuación del sufrimiento y el dolor, el gusto por lo recargado y lo barroco. Otras obras de esta misma escuela son la Victoria de Samotracia, el grupo del Toro Farnesio o el desaparecido Coloso de Rodas.
Esta obra tendrá una gran trascendencia en la historia del arte. Se ocultó en Roma y se descubrió en el siglo XVI, causando un gran impacto. Miguel Ángel quedaría impresionado e influirá en su obra, así como en el Manierismo. También El Greco se sentiría atraído e influiría en su pintura. Incluso la iglesia adoptó el rostro del Laoconte como prototipo del mártir cristiano por la expresión del dolor.
CONTEXTO HISTÓRICO
La muerte de Alejandro Magno en el 323 a.C. va a suponer la perdida de la unidad de acción del mundo griego: sus generales se repartirán en trozos su inmenso Imperio y surgirán monarquías hereditarias en Egipto, Siria, Macedonia, Pérgamo... En estos momentos se va a producir una fusión entre la cultura griega y los gustos orientales. Ahora las obras las encargarán estos ricos monarcas o grandes generales, con un gran afán propagandístico, con el deseo de mostrar su poder y su lujo. Van desapareciendo progresivamente los ideales de belleza, armonía y equilibrio del clasicismo griego. Todo este es claramente apreciable en esta obra, así como el desequilibrio y el sentido de crisis y decadencia que supone el Helenismo dentro de la civilización griega, próxima a ser dominada por Roma.
ENCUADRETítulo: Grupo del Laoconte y sus hijos. Museos Vaticanos. Roma
Género: Escultura. Bulto redondo. Grupo.
Estilo: Arte Griego.
Autor: (otras obras): Polidoro, Agesandro y Atenodoro; no se conocen otras obras de estos autores, ya que lo nornal en el helenismo son las escuelas y no los autores individuales.
Cronología: Es una obra del período helenístico (S.IV- I. a.C.); En concreto, esta copia del Museo Vaticano es del Siglo I a.C., copia de un original probablemente de los siglos III o IV a.C.
Otras obras: no de los autores, pero sí de las misma escuela son: Victoria de Samotracia o Grupo del Toro Farnesio.
ANÁLISIS
– Tipología: La obra que comentamos es una escultura de bulto redondo, en concreto un grupo escultórico.
– Material: Está hecha en mármol, pero se trata de una copia romana; el original era de bronce.
– Volumen: la obra es de gran volumen, que es subrayado por el movimiento y la tensión de la escena. El grupo presenta una concepción bidimensional, está concebido para ser visto de frente, y no para que el espectador de la vuelta en torno a él. Tiene unas dimensiones de 2,45 m. de altura.
– Técnica: Por la técnica de esta obra, podemos decir que la escultura griega ha alcanzado el grado de barroquismo, como se puede apreciar en la tensión y dramatismo de los rostros cuerpos y el movimiento y la inestabilidad de todo el grupo.
El personaje central, Laooconte, de mayor tamaño, destaca por su estudio anatómico y del rostro. Tiene postura semisedente, que parece apoyarse en el asiento, del que cuelgan unos rígidos ropajes. Tiene la pierna derecha doblada y la izquierda retrasada, acentuando la idea de tensión.
La composición más que piramidal, se puede considerar triangular. Las figuras laterales, los hijos de Laoconte se abren en forma de ángulos rompiendo la verticalidad. Por lo tanto, nos encontramos ante un gran desequilibrio compositivo. El movimiento forzado y la tensión del conjunto se acentúan por la disposición de las serpientes que, con sus anillos de formas sinuosas con curvas y contracurvas a la vez cierran y abren el conjunto. El cuerpo desnudo de Laoconte es un perfecto estudio anatómico, se trata de la anatomía de un atleta ya maduro, casi decadente, pero con una musculatura hiperdesarrollada (muy propio del helenismo), que contrasta con los cuerpos menos expresivos y más clásicos de sus dos hijos.
Las calidades táctiles están estudiadas con gran virtuosismo técnico: piel, cabellos, los escasos vestidos. Podemos apreciar las rugosidades y texturas de la piel, los rizos con abundante labor de trépano en barbas (presenta profundas incisiones para dar efecto de gran relieve de claroscuro), los cabellos que acentúan los efectos de luz y sombra y el acanalamiento rígido de los paños. Los rostros y gestos son tremendamente expresivos, reflejan miedo y dolor, pero lo gestual y emotivo no sólo están en los rostros, sino en los cuerpos en movimiento, en el dinamismo de la composición, en el ritmo marcado por brazos, piernas y serpientes: Lo dramático, el “Pathos” se ha impuesto definitivamente.
COMENTARIO
– Tema o asunto representado: El tema representado aquí es mitológico: el sacerdote troyano Laoconte (figura central y de mayor tamaño), es castigado por los dioses a morir junto a sus hijos por dos tremendas serpientes marinas.
– Explicación simbólica: Esta obra expresa como ninguna del mundo antiguo la cólera de los dioses y los castigos crueles que éstos pueden poner a los pobres mortales. Simboliza el enfrentamiento entre las fuerzas poderosas de lo incomprensible y la impotencia humana. En este caso, el sacerdote troyano de Apolo, es castigado por exhortar a sus compatriotas a no aceptar el Caballo de Troya como regalo de los griegos; los dioses al ver frustrados sus planes de destruir Troya, enviaron dos gigantescas serpientes de mar para que se apoderaran del sacerdote y de sus dos desafortunados hijos y los estrujaran entre sus anillos. En el rostro de Laoconte se puede apreciar el dolor, no sólo físico, sino el moral al verse impotente y no poder hacer nada por sus hijos inocentes.
– Funcionalidad: Esta obra tiene una clara funcionalidad propagandística: en el mundo helenístico las obras se hacían por encargo de personajes poderosos: monarcas o sátrapas, generales, etc. También tiene una funcionalidad religiosa: ver los castigos que se podían recibir cuando los mortales desobedecían o enojaban a los dioses.
La obra pertenece al Arte Griego (S. VIII-I a.C.), y más concretamente al período helenístico (323-S.I a.C.), que se caracteriza por la pérdida del equilibrio formal y psicológico, así como la atenuación del idealismo clásico y tendencia a representar lo naturalista y el realismo extremo, aunque éste resulte desagradable o deficiente (niños, ancianos, agonizantes...), se prefiere lo feo a la belleza formal, triunfa lo anecdótico, lo recargado, lo expresivo; se alcanza la perfección en el movimiento, con escorzos, composiciones en diagonal, desequilibrio en los cuerpos, dramatismo y tensión en los rostros. Se pierde parte de la independencia e individualismo de los artistas, al concentrarse estos en talleres o escuelas.
Pertenece a la Escuela de Rodas; esta escuela, junto con la de Pérgamo, se diferencia de la de Atenas, más clásica, y la de Alejandría, más cotidiana y alegórica por el movimiento exagerado, el sentido expresivo hasta lo agónico, complicación formal y dinámica; dramatismo y patetismo, la acentuación del sufrimiento y el dolor, el gusto por lo recargado y lo barroco. Otras obras de esta misma escuela son la Victoria de Samotracia, el grupo del Toro Farnesio o el desaparecido Coloso de Rodas.
Esta obra tendrá una gran trascendencia en la historia del arte. Se ocultó en Roma y se descubrió en el siglo XVI, causando un gran impacto. Miguel Ángel quedaría impresionado e influirá en su obra, así como en el Manierismo. También El Greco se sentiría atraído e influiría en su pintura. Incluso la iglesia adoptó el rostro del Laoconte como prototipo del mártir cristiano por la expresión del dolor.
CONTEXTO HISTÓRICO
La muerte de Alejandro Magno en el 323 a.C. va a suponer la perdida de la unidad de acción del mundo griego: sus generales se repartirán en trozos su inmenso Imperio y surgirán monarquías hereditarias en Egipto, Siria, Macedonia, Pérgamo... En estos momentos se va a producir una fusión entre la cultura griega y los gustos orientales. Ahora las obras las encargarán estos ricos monarcas o grandes generales, con un gran afán propagandístico, con el deseo de mostrar su poder y su lujo. Van desapareciendo progresivamente los ideales de belleza, armonía y equilibrio del clasicismo griego. Todo este es claramente apreciable en esta obra, así como el desequilibrio y el sentido de crisis y decadencia que supone el Helenismo dentro de la civilización griega, próxima a ser dominada por Roma.
lunes, 14 de febrero de 2011
El Partenón
El Partenón
FICHA TÉCNICA: La Obra que vamos a comentar esta semana se trata del Partenón de Atenas. El Partenón era el templo principal de Atenas que, presidiendo la Acrópolis, servía para alojar la estatua crisoelefantina de Atenea Parthenos, de ahí su nombre. Fue construído por Ictinos y Calícrates bajo la supervisión ténica de Fidias entre el 447-432 a.C. durante el llamado "siglo de Oro" Ateniense bajo el gobierno de Pericles. Este templo formó parte de las labores de reconstrucción de la Acrópolis destruida por los persas durante las Guerras Médicas y es el máximo exponente del Clasicismo Griego del siglo V a.C.
ANÁLISIS DE LA OBRA: Nos encontramos ante una Obra religiosa de primer orden, pues se trata del templo principal de la ciudad de Atenas, que debía de alojar la estatua de la diosa Atena Parthenos, diosa protectora de la ciudad. Este templo fue construido con mármol del pentélico siguiendo las características del Orden Dórico (columnas carentes de basa, fustes recorridos por 20 estrías, capitel compuesto por equino y ábaco y arquitrabe divido en triglifos y metopas). Aunque en la actualidad resalta el color blanco de su mármol, sin embargo, a pesar de lo que erróneamente se creyó, originalmente estaba policromado con fuertes colores que resaltaban sus elementos arquitectónicos.
COMENTARIO DE LA OBRA: Nos encontramos ante un templo de proporciones regulares, siendo el doble de largo que de ancho con ocho columnas en sus lados más cortos, por ello podemos categorizarlo como un templo octástilo, por 17 en sus lados más largos. Las columnas recorren sus cuatro lados, se trata por lo tanto de un templo períptero, y seis columnas preceden a la pronaos. De la pronaos accedemos a la cella que se encontraba dividida en tres naves con columnas superpuestas para ganar la altura necesaria para alojar la estatua de 12 metros de altura de la diosa. En su paste posterior, incomunicada con el resto, se encuentra otra cámara que recibe el nombre de Opistodomos que que habría de servir para alojar el tesoro de la diosa.
Esta Obra es un fiel reflejo no sólo del Orden Dórico, el más austero y clásico de los ordenes griegos, sino de las proporciones armónicas que debía de perseguir el templo griego. Así cabe destacar no sólo las proporciones de sus elementos sino las correcciones ópticas que realizaron los arquitectos para lograr esa visión perfecta del conjunto (desigual distancia de los intercolumbios, abombamiento del estilobato y del entablamento para evitar la sensación de hundimiento en el centro, ligera inclinación de los fustes, etc...).
El Partenón fue famoso en la antigüedad no sólo por sus esbeltas proporciones sino también por su decoración escultórica, obra del escultor Fidias, hoy día repartida fundamentalmente entre el museo del Louvre y el Británico.
CONCLUSIÓN:La Obra que hemos comentado marcó un hito en la historia de la arquitectura creando un modelo de templo que habría de ser copiado en reiteradas ocasiones no solo en el mundo antiguo sino en épocas más recientes como el Neoclasicismo del siglo XIX. Si bien mantuvo su función religiosa durante casi mil años pasando de ser templo pagano a iglesia cristiana primero y mezquita con posterioridad. Sin embargo, la fatalidad quiso que una bomba veneciana explotara en el Partenón, convertido por los turcos en polvorín, destrozando gran parte de su estructura. A ello, en el siglo XIX se sumó la expoliación de las potencias imperialistas europeas que desnudaron al templo de la mayor parte de su decoración escultórica hoy día repartida entre París y, fundamentalmente, Londres.
FICHA TÉCNICA: La Obra que vamos a comentar esta semana se trata del Partenón de Atenas. El Partenón era el templo principal de Atenas que, presidiendo la Acrópolis, servía para alojar la estatua crisoelefantina de Atenea Parthenos, de ahí su nombre. Fue construído por Ictinos y Calícrates bajo la supervisión ténica de Fidias entre el 447-432 a.C. durante el llamado "siglo de Oro" Ateniense bajo el gobierno de Pericles. Este templo formó parte de las labores de reconstrucción de la Acrópolis destruida por los persas durante las Guerras Médicas y es el máximo exponente del Clasicismo Griego del siglo V a.C.
ANÁLISIS DE LA OBRA: Nos encontramos ante una Obra religiosa de primer orden, pues se trata del templo principal de la ciudad de Atenas, que debía de alojar la estatua de la diosa Atena Parthenos, diosa protectora de la ciudad. Este templo fue construido con mármol del pentélico siguiendo las características del Orden Dórico (columnas carentes de basa, fustes recorridos por 20 estrías, capitel compuesto por equino y ábaco y arquitrabe divido en triglifos y metopas). Aunque en la actualidad resalta el color blanco de su mármol, sin embargo, a pesar de lo que erróneamente se creyó, originalmente estaba policromado con fuertes colores que resaltaban sus elementos arquitectónicos.
COMENTARIO DE LA OBRA: Nos encontramos ante un templo de proporciones regulares, siendo el doble de largo que de ancho con ocho columnas en sus lados más cortos, por ello podemos categorizarlo como un templo octástilo, por 17 en sus lados más largos. Las columnas recorren sus cuatro lados, se trata por lo tanto de un templo períptero, y seis columnas preceden a la pronaos. De la pronaos accedemos a la cella que se encontraba dividida en tres naves con columnas superpuestas para ganar la altura necesaria para alojar la estatua de 12 metros de altura de la diosa. En su paste posterior, incomunicada con el resto, se encuentra otra cámara que recibe el nombre de Opistodomos que que habría de servir para alojar el tesoro de la diosa.
Esta Obra es un fiel reflejo no sólo del Orden Dórico, el más austero y clásico de los ordenes griegos, sino de las proporciones armónicas que debía de perseguir el templo griego. Así cabe destacar no sólo las proporciones de sus elementos sino las correcciones ópticas que realizaron los arquitectos para lograr esa visión perfecta del conjunto (desigual distancia de los intercolumbios, abombamiento del estilobato y del entablamento para evitar la sensación de hundimiento en el centro, ligera inclinación de los fustes, etc...).
El Partenón fue famoso en la antigüedad no sólo por sus esbeltas proporciones sino también por su decoración escultórica, obra del escultor Fidias, hoy día repartida fundamentalmente entre el museo del Louvre y el Británico.
CONCLUSIÓN:La Obra que hemos comentado marcó un hito en la historia de la arquitectura creando un modelo de templo que habría de ser copiado en reiteradas ocasiones no solo en el mundo antiguo sino en épocas más recientes como el Neoclasicismo del siglo XIX. Si bien mantuvo su función religiosa durante casi mil años pasando de ser templo pagano a iglesia cristiana primero y mezquita con posterioridad. Sin embargo, la fatalidad quiso que una bomba veneciana explotara en el Partenón, convertido por los turcos en polvorín, destrozando gran parte de su estructura. A ello, en el siglo XIX se sumó la expoliación de las potencias imperialistas europeas que desnudaron al templo de la mayor parte de su decoración escultórica hoy día repartida entre París y, fundamentalmente, Londres.
El teatro de Epidauro
Teatro de Epidauro
El teatro era un elemento esencial en una ciudad helenística y, de hecho, los grandes teatros en piedra no empiezan a construirse sino tras el periodo clásico, a partir del siglo IV a.C., rivalizando las distintas ciudades en su construcción. Epidauro se hizo famosa gracias al santuario de Asclepio –dios de la medicina, muy venerado en aquella época- y construyó uno de los mayores teatros de Grecia. De hecho, es hoy el teatro griego más famoso y mejor conservado en su estado original, construido por Policleto el Joven a finales del siglo IV a.C. Tal es su estado actual que todos los años se celebran en él importantes festivales.Análisis formal. Estructura. El género teatral es de creación griega y el edificio que alberga el espectáculo también es una construcción típicamente griega. Consta de tres partes esenciales: escena, orquestra y graderío.
La escena, en posición tangente a la orchestra, es un edificio que ejercía en origen las funciones de vestuario y almacén. Con el tiempo, la representación de la obra acabó trasladándose a la escena misma; entonces adquirió protagonismo el proscenio, plataforma elevada, situada entre el edificio de la escena y la orchestra, donde actuaban los actores y al cual se accedía a través de dos rampas laterales. En Epidauro, sobre la parte anterior del proscenio se apoyaban 18 columnas jónicas y las superficies interpuestas estaban pintadas. El proscenio tenía dos protuberancias a ambos lados que servían de sostén para las escenografías laterales. En el proscenio, sobre el "logeion" (balcón en el que aparecían los actores) actuaban los actores y en la orquesta el coro. El fondo del logeion estaba cerrado por las candilejas.
La orquestra es la parte dedicada al coro; tiene planta circular y en el centro se alza la estatua dedicada a Dionisos, dios en cuyo honor se celebra la fiesta. En el teatro griego el coro tenía un papel fundamental de ahí la importancia que se otorga a esta parte.
El graderío o cavea tiene planta ultrasemicircular, rodeando en parte a la orquestra. Para construirlo, se utilizó un desnivel natural del terreno de 24 metros para edificar una concha de 120 metros de diámetro que se divide en dos zonas. La parte inferior del hemiciclo está dividida en 12 cuneus con una treintena de gradas cada uno mientras que en la zona superior se hallan 22 cuneus con 20 gradas cada uno. En total podía albergar hasta 15.000 espectadores que disponían de dos tipos de asientos: los del pueblo consistente en las propias gradas y los de las personalidades políticas, con respaldo y brazos.
En Epidauro había dos tipos de asiento, los del pueblo -con reborde en ángulo en los límites de cada sector- que eran la mayoría, y los de las personalidades políticas y altos dignatarios de la ciudad -con respaldo y brazos-. La forma típica de abanico de los teatros griegos abarcaba en este caso 210º. Implica que tanto la visibilidad como las condiciones acústicas en las zonas situadas a ambos extremos de la plataforma circular eran menos favorables que en las zonas restantes. Esas localidades se reservaban para los extranjeros, para los espectadores que llegaban tarde a la representación y para las mujeres. Los espectadores ingresaban a las tribunas inferiores desde el parodo y desde aquí a las gradas de las tribunas superiores las ultimas filas se entraba directamente de las áreas circundantes. Algunos estudiosos sostienen que esta parte superior ha sido agregada al final del periodo helenístico para aumentar la capacidad del teatro de 6.000 a 12.300 espectadores.
A pesar de estas dimensiones, en Epidauro, la acústica es inmejorable aunque el asiento más alejado del escenario se encontrara a 70 m. La explicación estriba en el hecho de que el teatro se hallaba ubicado en una zona con ruido ambiental extremadamente bajo. Si además tomamos en consideración la reflexión producida por la pared posterior del escenario y las máscaras utilizadas por los actores, que al parecer desempeñaban una función acústica al actuar como un megáfono por delante de la boca, justifican el hecho de alcanzar los 70 m de Epidauro. Y por tanto esa es la razón por la que tenía un aforo de 14.000 espectadores, una cifra muy superior a los teatros romanos posteriores. Para hacerse una idea, los mayores teatros actuales no suelen sobrepasar los 1.500 espectadores.
La configuración del hemiciclo responde a una serie de cálculos matemáticos que buscaban la armonía. Aunque el resultado es aparentemente simétrico, para lograr esta perfección visual fueron necesarias sutiles variaciones geométricas y numéricas. Así, se pueden detectar pequeñas diferencias en la anchura de los sectores, o en la curvatura de las gradas del semicírculo, que se abren imperceptiblemente en los bordes de la cávea.
Significado. En los teatros se celebraban representaciones que eran un homenaje religioso en honor del dios del vino y de la inspiración, Dionisio. El teatro griego tuvo un origen religioso, que parte de las fiestas celebradas en honor de Dioniso, dios del vino. Incluso la forma circular de la orchestra, la parte más importante durante largo tiempo, estuvo condicionada por el ritual de ofrenda al dios que se realizaba alrededor de su altar central. En las primeras obras dramáticas, la acción se desarrollaba en la orchestra, explicada por el coro y escenificada por los actores desde una perspectiva muy secundaria. Sin embargo, a medida que los actores fueron adquiriendo protagonismo reclamaron un enclave más elevado, el proscenio en la escena. Su importancia creció en detrimento de la orchestra que, con el tiempo, acabaría por desaparecer.
Así el teatro de Epidauro se integra en un gran santuario del dios de la medicina, Asclepio, en el que los enfermos encontraban ayuda divina para su curación. Desde las tribunas superiores se aprecia el paisaje maravilloso que envuelve al santuario. Los espectadores en la antigüedad podían apreciar el paisaje con sus edificios sagrados sin ser molestados por los rayos solares.
El teatro no sufrió ninguna de las intervenciones que alteraron los otros teatros de la antigua Grecia durante el dominio romano. Por esto el teatro del santuario de Epidauro es considerado como él más bello y genuino.
Suscribirse a:
Entradas (Atom)